Eröffnung am 25. Juli 2019, um 19 Uhr

26.07. — 22.09.2019

Deltabeben. Regionale 2020

In cooperation with the Kunsthalle Mannheim and the Kunstverein Mannheim

November 29, 2020 — February 28, 2021


Every two years, and for the sixth time in 2020, the "Deltabeben" will take place - alternately in Mannheim and Ludwigshafen: A joint exhibition project of the institutions for contemporary art. In the meantime, it has become a continuous overview show of art in the Rhine-Neckar metropolitan region, which shows and documents the artistic diversity again and again. The participating artists* come from all parts of the region between Mannheim, Mainz, Heidelberg and Karlsruhe. Their spectrum ranges from photography, painting, sculptural and installation works to video and performance art. It is not possible to apply for participation, but a changing team of experts from the art scene is asked to propose two artists* each. There is no age limit, but the artists should live and work in the region, because the "Deltabeben" also serves to promote exchange and networking between the individual smaller art scenes in the region. "Deltabeben. Regionale 2020" shows once again how urban and diverse the Rhine-Neckar metropolitan region is with its artists* and their art.

Positionen erweiterter Malerei
Crisis? What Crisis?


Doris Erbacher, Martin Gerwers,
Sophie Innmann, Jonas Maas, Franziska Reinbothe

19. September – 08. November 2020

Eröffnung am 18. September 2020 — 19 Uhr 

Crisis? What Crisis? 

Positionen of Expanded Painting 

Doris Erbacher, Martin Gerwers, Sophie Innmann, Jonas Maas, Franziska Reinbothe
September 19 – November​ 08, 2020

Painting’s crisis is evoked by critics and curator with reliable regularity. Amid all this, artists simply continue to paint; no trace of any crisis.


That being said, the boundaries of the conventional canvas were overstepped long ago – painting reaches out into the room, it becomes an object, an installation, a released colour. Not even a brush is necessarily needed, for after all, every material has a colour and structure already, painterly values, therefore. In the exhibition, artistic positions are on show that pursue abstract or objectless approaches and probe the space using different strategies.


Doris Erbacher, like Martin Gerwers, sounds out the relationship between colour, shape, light and space. Both occasionally convey their picture carrier into three-dimensional sculpture, and viewers actively moving about the room are called for in every case. Only from various angles and with the play of light and shadow does the actual painterly aspect reveal itself.

Jonas Maas combines rectangular modules to form a picture that uses spacers to hang in front of, rather than on, the wall. At the same time, clearances remain between the individual panels – picture and wall engage with each other.

Franziska Reinbothe goes one step further the moment the picture is about to be finished: She breaks or saws up the stretcher frame, folds or sews up the canvas and thus gives the picture a new, often sculptural form.

Sophie Innmann usually works location-specifically and makes space an integral component of her works. Contingency, the traces of human actions, and time are often determining factors of her works.


In all these works, genre boundaries are blurred; the surface – space – viewer relationship always plays a central role. And yet painterly issues are in the foreground.


Doris Erbacher, *1953, lives and works in Heidelberg and Mannheim. Erbacher studied from 1974-80 at the State Academy of Fine Arts Stuttgart, from 1986-91 she directed the Kunstraum Erbacher in Mannheim, and from 1992 until 2009 she lived as an artist and filmmaker in Berlin.

Martin Gerwers, *1963 lives and works in Düsseldorf. From 1984-89 Gerwers studied Visual Communication at the Aachen University of Applied Sciences and subsequently from 1989-93 at the Kunstakademie Düsseldorf. From 2015 until 2018 he held a visiting professorship at the Berlin University of the Arts.

Sophie Innmann, *1986 lives and works in Karlsruhe and everywhere in the world, since her works mostly arise in situ. From 2007 until 2014 she studied at the State Academy of Fine Arts Karlsruhe.

Jonas Maas, *1985 lives and works in Düsseldorf, 2010-14 studies at the Kunstakademie Düsseldorf.

Franziska Reinbothe, *1980 lives and works in Leipzig, from 2005 until 2013 she studied at the Academy of Fine Arts Leipzig.



Thursday, 29 October 2020, 6 p.m. with Konstantin Weber


Abbildung: DiamondProx Joscha Steffens

Mannheim Art Prize of the Heinrich Vetter Foundation 2020​

Prize-winners’ Show featuring Joscha Steffens and Hannah Schemel 

The Mannheim Art Prize of the Heinrich Vetter Foundation is the mark of support given by the City of Mannheim and the Heinrich Vetter Foundation to professional artists living and working in the metropolitan region. This year sees the eighth edition of the prize, which is awarded for photography and video.


The five-member jury of experts, comprised of Dr Sebastian Baden (Kunsthalle Mannheim), Carolin Ellwanger (Kulturamt Mannheim), Dr Heike Feldmann (Heinrich Vetter Foundation), Stefanie Kleinsorge (Port25 – Raum für Gegenwartskunst) and Thomas Schirmböck (Zephyr-Raum für Fotografie), emphasized the extraordinarily high quality of the numerous entries as well as the great diversity of artistic approaches. Following intense deliberations,  Andrea Eßwein, Ruth Hutter, Emanuel Raab, Hannah Schemel, Peter Schlör, Miriam Stanke, Claus Stolz, Joscha Steffens and Felicitas von Lutzau entered the final round.



As was the case in 2018, the jury opted in favour of dividing the prize into a main prize and an advancement award. The main prize, endowed with 10,000 Euro, ultimately went to Joscha Steffens and the advancement award, endowed with 5,000 Euro, to Mannheim-based photographer Hannah Schemel. 


Joscha Steffens (*1981) represents the jury’s choice of an artist who deals with forms of feigned and staged violence in digital and virtual realities and thematizes controversial phenomena of our present day. Joscha Steffens’s photographs and video works range between documentation and fiction.


Hannah Schemel (*1994) places great value on artisanship, materiality and reduction. Her procedure is strongly informed by her intense dealing with Japanese culture. Auratic photographs of a special quality are produced in an artisanally sophisticated manner using a refined mixed technique.

Mannheimer Kunstpreis

der Heinrich-Vetter-Stiftung 

Joscha Steffens  |  Hannah Schemel

July 18, – August​ 30, 2020

 Fotografie: Daniel Stier, Apple, 2018

Biennale für aktuelle Fotografie


Between Art and Commerce

February 29 — June 28, 2020

Hein Gorny, Maurice Scheltens & Liesbeth Abbenes, Bryan Schutmaat, Daniel Stier
Christopher Williams, Thomas Wunsch

While photography is an art form, it does not belong exclusively to the world of art. It plays significant roles in all aspects of life and culture, and it is inevitable that these will overlap, have relations to each other, and also be in tension with each other.
In many ways it was an acceptance of this complex relation between art and non-art that led to photography becoming fully modern in the 1920s and 30s. Photographers made images with ambiguity, understanding that they could mean different things in different contexts. Their work appeared in commercial settings and on the pages of avant-garde journals. Some photographers worked simultaneously in the fields of documentary, advertising, portraiture, fashion, scientific imaging, art and more.

Between Art and Commerce looks at this complex situation through the work of several photographers. Each takes a different position. Here you will find an artist who makes images that are then used commercially; commercial photographers who also make art exhibitions; a photographer whose personal and commercial work is indistinguishable; an artist who makes photographic art about commercial photography; and a forerunner of all this who worked in the 1920s and 30s.


Caro Suerkaemper

Hundert < Tausend +
[100 unter 1000 Plus]

Second edition of the successful

sales exhibition in Port25

January 18, 2020 – February 16, 2020

Angelika Arendt, Simone Demandt, Andrea Esswein, Alexander Horn, Herbert A. Jung, Ingo Lehnhof, Gerd Lind, Margarete Lindau, Jonas Lundius, Eyal Pinkas, Caro Suerkemper, Konstantin Weber, Suse Wiegand

Buying art for everyone!
After the great success of the first edition, Port25 - Raum für Gegenwartskunst, otherwise known to be an exhibition house with a focus on curatorial aspects and mediation, is once again slipping into the role of a commercial gallery for a short time this year: We are explicitly offering selected artistic works for just under four weeks to buy!

Bilder des Wohnens

Roman Bezjak, Axel Grünewald, Eyal Pinkas,

Emanuel Raab, Marco Vedana & Suse Wiegand 

October 12, 2019 — January 5, 2020

Eröffnung 11. Oktober 2019

Gefördert mit Mitteln der

und unterstützt durch

With the housing shortage currently under debate at the political level, “Bilder des Wohnens” presents aesthetic, philosophical, art-immanent and image-immanent references to architecture, space and living.


Axel Grünewald examines social and cultural spaces in the coastal regions of northern Morocco and southern Spain against the background of the migratory movements towards Europe. In his work “Bankett” he interprets architecture and topography as symbols of the transitory. Based on their architectonic heritage Roman Bezjakexplores the societal utopias of the 20th century and their status quo, in Tashkent, for example.

The vision of an ideal city with Soviet modernity in mind was realised there in the 1960s. “Luoghi tedeschi”, “German Places”, is the name given by Marco Vedana to an image series which he combines with a typology of German urban space.


Whereas Marco Vedana and Roman Bezjak highlight cultural characteristics via an analysis of architectonic form, Emanuel Raab deliberately separates the close-ups of buildings from their temporal, geographical and architectonic contexts. Dimensional relations, scale or spatial orientations are edited out. Eyal Pinkas also lifts the mundane out of its habitual context with his temporary room sculptures. Objects are subjected to astonishing variations both in terms of their design and through their position in the room. Suse Wiegand, in her delicate and simultaneously space-consuming installation, transforms the functions of objects into entirely new levels of meaning. After all, a sieve is more than just a sieve.


The exhibition is based on the research project by Bielefeld University of Applied Sciences on the topic, “Erkenntnisformen der Fotografie” with the interdisciplinary research project “Bilder des Wohnens.  Architekturen im Bild” and is funded using resources from the Hypokulturstiftung.

BBC-Torbau Architekturfotografie 
von K.W. Ochs


Eröffnung am 25. Juli 2019, um 19 Uhr

26.07. — 22.09.2019

Ungeborenen Elefanten ins Maul sehen – oder von der schönen Ordnung der Dinge

Angelika Arendt, Michael Bacht, Ulrich Bechtold, Daniel T. Braun, Simone Demandt, Benjamin Ditzen, Gisela Kleinlein, Laura Kuch, Gerardo Nolasco Magaña, Nicolas Reinhart, H+T Stegmayer & Caro Suerkemper

15. September bis 28. Oktober 2018

Eröffnung: Freitag, 14. September 2018, 19 Uhr


Am Beginn des modernen Kunstmuseums stand die Auflösung der fürstlichen Wunderkammer. Mit der Öffnung der einst privaten Sammlungen für ein Publikum ging eine Abkehr vom alten Stil des Sammelns einher: Die Bühne der Welt wurde in Raumfolgen nach Stilen und Schulen angeordnet, der gute Geschmack und die Werke der Bildenden Kunst kanonisiert. Die Neugierde auf Entdeckungen in Sammlungen von Münzen, Skulpturen, Versteinerungen, ausgestopften Tieren, gepressten Pflanzen, ethnographischen Rara und Rarissima machte dem Zwang zur normierten elitären bürgerlichen Bildung Platz.

Die Kunst des 20. Jahrhunderts entzog sich der durch die Disziplin der Kunstgeschichte definierten musealen Norm und produzierte Prozessuales, Immaterielles, Vergängliches und Außermuseales. Zurzeit erarbeiten Kunstmuseen digitale Strategien, während in der künstlerischen Praxis vielfach ein erneutes Interesse an Strukturen zu beobachten ist, die sich in der nichtdigitalen Welt abspielen. Die Begeisterung an langfristigen Beobachtungen, Experimenten und der aufwendigen Verarbeitung von Material steht dem rein Kuratorischen als Auswahl aus dem immer bereits digital Vorhandenen gegenüber. Die Ausstellung „Ungeborenen Elefanten ins Maul sehen oder von der schönen Ordnung der Dinge“ zeigt aktuelle künstlerische Positionen, die sich mit der Struktur und (Un)ordnung von Dingen befassen.

Angelehnt an alte Konzepte des Sammelns wird für die Ausstellungspräsentation eine Szenographie entwickelt, die die überbordende Vielfalt der künstlerischen Welt sichtbar machen soll.

Kirchner Hochtief
Evakuiert das Ich-Gebäude


Eröffnung am 11. Mai 2019

11.05. — 22.09.2019

Video: Götz Gramlich & Maxwell Hathaway

Kirchner Hochtief beschreibt zugleich die Band, das Künstlerkollektiv und das Wirtschaftsunternehmen um den Musiker David Julian Kirchner. Port25 – Raum für Gegenwartskunst präsentiert ihr Debutalbum „Evakuiert das Ich-Gebäude“ im Rahmen einer multimedialen Ausstellung.

Ist der Popmusiker nicht Künstler, sondern Dienstleister, stets produktives Produkt, immer in Perfektion, immer an der Oberfläche?

Auf der Suche nach der Kunst im Pop und der Kreativität in der Wirtschaft entwickelt David Julian Kirchner mit Kirchner Hochtief eine eigene künstleri- sche Form, die die Wechselwirkungen von Pop, Kunst und Kreativwirtschaft reflektiert. Das Debut-Album der Band Kirchner Hochtief erscheint dement- sprechend nicht nur als Tonträger. „Evakuiert das Ich-Gebäude“ analysiert vermarktungsrelevante Elemente erfolgreicher Musiker des Popbusiness, wie Videos, Artworks, Fotografien, Performances, Frisuren, Texte, Zeichen und Skandale und präsentiert diese jeweils als eigene künstlerische Form.

Über 100 Beteiligte versammeln sich um den Künstler David Julian Kirchner, der sich selbst als CEO des Weltkonzerns Kirchner Total und damit als Chef eines gigantischen Pop-Imperiums bezeichnet. Gemeinsam entwickeln sie eine Konsum-Utopie, die übliche Vermarktungsstrategien beschleunigt und überspitzt. So präsentiert die Ausstellung parallel zum Release des Albums bereits den Remix.

Karl Wilhelm Ochs (1896 bis 1988) hat als Chefarchitekt bei Brown, Boveri & Cie. (BBC) mehrere Bauphasen der Fabrik (oder der technischen Werksgebäude) begleitet und fotografisch dokumentiert. Seinen historischen Architekturfotografien aus den Jahren 1925 bis 1943 stehen aktuelle Aufnahmen des BBC-Torbaus von unterschiedlichen Fotografen gegenüber. Die vergleichende Schau zeigt, dass das imposante Gebäude trotz einiger Kriegsschäden und vieler Besitzerwechsel heute noch sehr gut und nahezu im ursprünglichen Zustand erhalten ist. Wird es gelingen, die historisch interessanten Gebäude mit dem Torbau als Gesamtensemble unter Denkmalschutz zu stellen und so für die Zukunft zu erhalten?


Veranstaltet von dem Rhein-Neckar-Industriekultur e.V. und der IG Metall Mannheim. Unterstützt durch die Mannheimer Bau- und Architekturarchiv MAB


25. Mai bis 14. Juli 2019​

Carolin Wanitzek & Dennis Adelmann

Carolin Wanitzek und Dennis Adelmann haben 2015 das im Jungbusch ansässige Designstudio OUI R gegründet. Die Arbeit im Studio vereint die Expertise eines nationalen und internationalen Netzwerks von Designern und Entwicklern. OUI R ist in den Bereichen Kultur, Mode, Architektur und anderen Branchen tätig.

Gemeinsam entwickelteten die beiden über zweieinhalb Jahre hinweg zeitgenössische Möbel, eine Marke, die Atmosphäre schaffen und in einfachen Formen den Räumlichkeiten große Bedeutung verschaffen möchte. Konzentriert auf Entwicklung und Funktion von Objekten, die ausschließlich in Deutschland entworfen und produziert wurden, freuen wir uns am 24. Mai ab 19 Uhr IN SUBSTANCE in Port25 - Raum für Gegenwartskunst zu präsentieren.

Als Set Designerin und Szenografin liegt Carolin Wanitzek‘s Stärke darin, im Raum zu denken. Sie entwickelt visuelleKonzepte und Installationen für Schaufenster, Museen und Innenräume. Dennis Adelmann übernimmt den digitalen Teil und das Branding und fusioniert oft das Digitale mit dem Analogen.

Gemeinsam entwickeln sie Strategien und Konzepte und arbeiten an eigenen Produkten wie der Marke In Substance.Mit In Substance entwerfen sie zeitgenössische Möbel, schaffen Atmosphären und verleihen einfachen Formen eine große Bedeutung im Raum.

Die Künstlernachlässe Mannheim 
Walter Stallwitz

eine filmische Dokumentation


11. Mai bis 23. Juni 2019

Seit mehr als 60 Jahren begleitet und bereichert Walter Stallwitz (*1929) das Kulturleben der Stadt Mannheim und der Region. 

Auch wenn für ihn persönlich der 90. Geburtstag kein großer Anlass zum Feiern ist und er wenig Wert auf Würdigungen legt, haben die Künstlernachlässe Mannheim in Kooperation mit dem Kulturamt der Stadt Mannheim eine filmische Bestandsaufnahme in Auftrag gegeben, die einen Eindruck über sein Wirken in Mannheim vermittelt. Port25 ist eine von vier Mannheimer Institutionen, in denen der Film von Frühjahr bis Herbst 2020 zu sehen sein wird.

Nachfolgende Stationen

24. Juni bis 5. Juli 2019
Tulla-Realschule, Tullastr. 25, Mannheim

11. Juli bis 14. Juli 2019
Freie Kunstakademie Mannheim, U 3,1, Mannheim

29. Juli bis 16. August 2019
Rathaus Stadt Mannheim, E 5, Mannheim 

20. September bis 11.Oktober 2019
Mannheimer Abendakademie und Volkshochschule, U 1, 16–19, Mannheim

Ana Laibach
& Amadeus Certa

Die Preisträger des Mannheimer 

Kunstpreises der Heinrich-Vetter-Stiftung​

präsentieren: Wenn Tiger schießen lernen


27. Januar bis 22. April 2019


Eröffnung Samstag, 26. Januar 2019 um 19 Uhr

Es sprachen:

Bürgermeister Michael Grötsch

Prof. Dr. Peter Frankenberg 

Stefanie Kleinsorge 


Mit dem zum siebten Mal verliehenen Mannheimer Kunstpreis der Heinrich-Vetter-Stiftung unterstützen die Stadt und die Stiftung professionelle Künstler*innen mit einem Bezug zu Mannheim und der Region. Durch die Vergabe des aktuellen Preises im Bereich Malerei/Zeichnung an Ana Laibach und Amadeus Certa wurde sowohl die Arbeit einer etablierten Künstlerin als auch diejenige eines bereits vielbeachteten jungen Künstlers gewürdigt. Gemeinsam präsentieren sie ihre Arbeiten unter dem Titel „Wenn Tiger schießen lernen“ in Port25 – Raum für Gegenwartskunst.


Ana Laibach setzt sich in ihren Gemälden, Zeichnungen, Drucken und Keramiken mit unserer Lebenswelt auseinander. Jenseits des Abbildhaften erschafft sie eine sehr ausdifferenzierte künstlerische Welt, die einen poetischen Zugang zur realen Welt offenhält. Bewusst und oftmals auch augenzwinkernd beschreitet sie diesen künstlerischen Umweg, um zu sortieren, was sich nicht umstandslos begreifen oder ertragen lässt. Auch der eine Generation jüngere Amadeus Certa arbeitet figurativ. Er bedient sich klassischer Genres und Motive, um traditionelle Perspektiven und Raumwahrnehmungen der Malerei aufzubrechen und eine eigene Welt zu schaffen, in der das Zusammenspiel von Figur und Form sowie Linie und Fläche immer wieder verschiedene Gewichtungen erfährt.


Ana Laibach (*1966 in Braunschweig) studierte Kulturwissenschaften und ästhetische Kommunikation an der Universität Hildesheim, sowie Malerei an der Staatlichen Kunstakademie Karlsruhe als Meisterschülerin von Prof. Max Kaminski. Sie lehrt als künstlerische Mitarbeiterin an der Universität Landau-Koblenz.


Amadeus Certa (* 1992 in Mannheim) hat das Studium der Malerei und Graphik 2016 an der Kunstakademie Düsseldorf mit Auszeichnung abgeschlossen und ist Meisterschüler von Prof. Siegfried Anzinger. 

Considering Finland


10. November 2018 bis 13. Januar 2019

Kenneth Bamberg, Elina Brotherus, Ilkka Halso, 

Riitta Ikonen & Karoline Hjorth, Jaakko Kahilaniemi, 

Tellervo Kalleinen & Oliver Kochta-Kalleinen, 

Sanna Kannisto, Ville Lenkkeri,Aurora Reinhard, 

Anna Reivilä, Mikko Rikala, Iiu Susiraja,

Nestori Syrjälä & Pilvi Takala

In Kooperation mit dem Kunstverein Ludwigshafen 

und dem Finnland-Institut in Deutschland.

Eröffnung: Freitag, 09. November 2018, 19 Uhr


Die beiden diesseits und jenseits des Rheins liegenden Ausstellungshäuser für zeitgenössische Kunst, der Kunstverein Ludwigshafen und Port25 – Raum für Gegenwartskunst, präsentieren ein gemeinsames Ausstellungsprojekt mit aktueller Kunst aus Finnland. Mit 14 künstlerischen Positionen aus den Bereichen Fotografie, Video und Installation bieten sie einen Einblick in die Kunstszene Finnlands. Die Vielfalt möglicher Themen und Fragestellungen wurde auf zwei Themenkomplexe verdichtet, die den inhaltlichen Rahmen der jeweiligen Präsentation beschreiben: jeder Ausstellungsort fokussiert auf ein Feld.

Die Ausstellung im Kunstverein Ludwigshafen setzt sich aus unterschiedlichen Perspektiven mit dem Verhältnis von Mensch und Natur auseinander. Es ist für die aus dem bevölkerungsarmen und waldreichsten Land Europas stammenden Künstlerinnen und Künstler ein naheliegendes Sujet. Ihr Blick geht jedoch über das an Seen, Flora und Fauna reiche Land hinaus und stellt die Beziehung zwischen Mensch und Natur in einen globalen Kontext her. Die Ausstellung in Port25 – Raum für Gegenwartskunst verweigert sich bewusst dem Thema der Natur und richtet den Blick auf den Menschen in seinem politischen, ökonomischen, sozialen und sexuellen Umfeld. Die künstlerischen Positionen deuten auf kulturelle Dispositionen und Normierungen des Individuums innerhalb einer Gesellschaft, die auf nicht erreichbaren Maximen, wie permanentem Erfolg, dauerhafter Anerkennung und grenzenlosem Wachstum basiert.

Bildliche Traditionen, geographische Strukturen oder sozio-politische und infrastrukturelle Faktoren sind die Basis einer gedanklichen Konstruktion, die künstlerisches Schaffen unter einem nationalen Aspekt zusammenfasst. Mittels einer Perspektive, die sich dieser Traditionen und Faktoren teilweise bedient, die jedoch Klischees entweder ironisch bricht oder den Blick weit über die nationalen Grenzen hinaus auf eine globalisierte Gesellschaft richtet, möchten die Ausstellungen hiesige Perspektiven erweitern und einen Beitrag zum deutsch-finnischen Kulturdialog leisten.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog in der Edition Cantz zum Preis von 14 €.

Vom 9. - 25. November findet in Mannheim, Ludwigshafen und Heidelberg das Festival Kultur aus Finnland statt.

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Will Sohl – Artists' Books Reloaded


23.06. – 26.08.2018

Jörg Baier, Adam Cmiel, Fritz Eicher, Margarete Lindau, Johannes Listewnik, Will Sohl

Eröffnung: Freitag, 22. Juni 2018, um 19 Uhr



In Kooperation mit den Künstlernachlässen Mannheim und dem Zentrum für Künstlerpublikationen in der Weserburg-Museum für moderne Kunst, Bremen


Die Ausstellung verbindet eine retrospektive Sicht auf die Künstlerbücher Will Sohls (1906 – 1969) mit einem Blick auf unsere Gegenwart. Hierzu wurden in einem Open Call KünstlerInnen gesucht, die auf der Basis der Künstlerbücher Sohls eine eigene künstlerische Recherche initiierten. Der Call war in Bezug auf Format, Medium und Präsentationsform ergebnisoffen.


Einerseits wird dem Werk des in Ludwigshafen am Rhein geborenen Künstlers Will Sohl, der bis 1936 in Mannheim lebt und dem der ortsansässige Kunstverein 1928 die erste Ausstellung ausrichtet, mit der Ausstellung und der zur Ausstellung erscheinenden Publikation erneut Aufmerksamkeit gewährt. Andererseits werden Verbindungen zu den gegenwärtigen Möglichkeiten des Mediums Künstlerbuch aufgezeigt und eine unmittelbare Beziehung zwischen den unterschiedlichen künstlerischen Strategien und Haltungen ermöglicht.

Die Ausstellung wird vom Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst des Landes Baden-Württemberg gefördert. ​

Die Radiotagebücher
und der Hund

23.06. – 26.08.2018

Ana Laibach, Felix Wargalla

Eröffnung: Freitag, 22. Juni 2018, um 19 Uhr



Ana Laibach (*1966 in Braunschweig) zeichnet in ihren Radiotagebüchern Lüm, Pum, Rastplatz und Anatol, stoffgewordene Figuren aus dem Kinderzimmer, und setzt sie in Beziehung zu Themen und Textfragmenten aus den tagesaktuellen Nachrichten. Felix Wargalla (*1990 in Köln)entwickelt in seinen Buchobjekten fantastische Erzählungen in denen sich Text und Grafik auf hintergründige Weise miteinander verschränken. 

Philipp Morlock – out of

21.04. – 03.06.2018 


Eröffnung: Freitag, 20. April 2018, 19 Uhr

Die Ausstellung zeigt künstlerische Konversionsprozesse, die ihren Ausgangspunkt in den ehemaligen US-amerikanischen Kasernen-flächen in Mannheim nehmen. Während der letzten fünf Jahre nutzt der Bildhauer Philipp Morlock die entstandenen Leerstände auf den Turley und Taylor Barracks sowie aktuell auf dem ehe-maligen Wohngelände der US-Armee, dem Benjamin Franklin Village, als Atelierflächen. Die besondere Atmosphäre der Umwandlung, die von diesen Arealen ausgeht und die Hinterlassen-schaften der Amerikaner haben sich in Philipp Morlocks Arbeit verdichtet.

Aus dem vorgefundenen Material erschafft der Künstler neue Formationen. So werden für das Ausstellungsprojekt Halleneinbauten von Soldaten dekontextualisiert und in dem Ausstellungssetting außerhalb des ehemaligen Kasernengeländes zu einer begehbaren Installation aufgebaut: Wandelemente werden zerlegt, neu zusammengefügt und ausgerichtet bis ein neuer begehbarer Ort entsteht.



Die Nutzung der ehemaligen Kasernenareale durch die US-Armee gehört bereits der Vergangenheit an, während der Einzug der neuen Stadtteilbewohner in die gerade entstehenden Siedlungen noch bevorsteht. Die daraus hervorgehende besondere Atmosphäre der Konversion ist einzigartig und in ihrer Zeitlichkeit begrenzt. Der Künstler greift in den Konversionsprozess ein, arbeitet mit dem Zerfall und bietet ein temporäres Gegenmodell.



Das “out of...” kann somit umso mehr in ein “into...” weitergeführt werden.

Public Possession
Katalog (01)


21.04. – 03.06.2018 


Eröffnung: Freitag, 20. April 2018, 19 Uhr, Foyer

Im Mittelpunkt der Ausstellung des Münchner Multimedia Labels Public Possession steht die Präsentation des neuen Katalogs mit einer Übersicht über die bisherigen Artworks, Party Flyer und Poster. Hierfür verändern die beiden Gründer von PP, Valentino Betz und Marvin Schuhmann das Foyer von Port25 – Raum für Gegenwartskunst durch atmosphärische Eingriffe und manifestieren so eine Verbindung zwischen Kunst- und Clubszene. Ein interdisziplinärer Ansatz ist die Grundlage der künstlerischen Praxis von PP, seit sich Betz und Schuhmann im Jahr 2012 zusammengefunden haben, um ihre weitreichenden Interessen von Musik, Text und Grafik Design bis zur bildenden Kunst zusammenzuführen. Mit dem hauseigenen Recordlabel und dem Public Possession Shop verfügen sie über eine Präsentationsplattform, auf der sie mit internationalen Künstlern verschiedener Sparten zusammenarbeiten. Die Hörstation im Foyer von Port25 wird einen akustischen Eindruck ihrer Arbeit vermitteln.

In Kooperation mit Jetztmusik Festival

Über kurz oder lang


Ein Projekt von Mirko Müller & Jonas Gieske


17.02. – 08.04.2018 


Eröffnung: Freitag, 16. Februar 2018, 19 Uhr



Über mehrere Monate hinweg fotografierte Mirko Müller die Besucher*innen im Kontaktladen „Kompass“ des Drogenvereins Mannheim. Die Ausstellung zeigt eindrucksvolle Porträts von Menschen, deren Leben im schnellen Wechsel von Hoffnung, Mut, Angst, Trauer und Verlust stattfindet.


Im Rahmen einer Studienarbeit zum Thema „Hoffnung“ begegnet der Fotograf Mirko Müller dem Sozialarbeiter Jonas Gieske, der im Kontaktladen des Drogenvereins Mannheim arbeitet. Aus der Diskussion ihrer jeweiligen professionellen Perspektive und Expertise entwickeln Gieske und Müller das Projekt „Über kurz oder lang“.


Hinter jedem fotografischen Porträt verbirgt sich eine vielschichtige Erzählung. Ein komprimierter Mitschnitt der Gespräche, die Mirko Müller geführt hat, gibt dem Betrachter die Möglichkeit über die autobiographischen Narrative Konkretes über das Erleben und die Lebenszusammenhänge von Menschen zu erfahren, denen üblicherweise wenig Aufmerksamkeit geschenkt wird, da sie sozial ausgegrenzt, d.h. von der Mehrheitsgesellschaft zumeist ganz bewusst nicht gehört und nicht gesehen werden.


Ziel der Ausstellung in Port25 – Raum für Gegenwartskunst ist es den Porträts und damit den Porträtierten Raum zu bieten. Damit fokussiert sie ebenso auf die künstlerische Qualität des Projektes. Mirko Müller hat beeindruckende Bildnisse von Menschen unterschiedlicher Herkunft und Ethnien geschaffen. Im Dreiviertelprofil oder en face konfrontieren sie den Besucher in überlebensgroßen Schwarzweißfotografien unmittelbar mit ihrer Existenz. 

Tine Voecks




10.03. – 08.04.2018 

Eröffnung: Freitag, 10. März 2018, 19 Uhr


Tine Voecks arbeitet performativ und in unterschiedlichen künstlerischen Disziplinen. Dabei eignet sie sich öffentliche Räume, repräsentative Orte oder Architekturen temporär an – oft mit Mitteln der Fotografie, des Videos oder der Zeichnung. Notizen zu Gesprächen mit Benutzern und Urhebern fließen als Material in ihre Arbeit ein. Der Körper der Künstlerin dient mit seinen fragilen Perspektiven ebenso als Impuls für ihre Arbeit, wie als Indikator der Erfahrungen damit, wie er sich in sein Umfeld einfügt und inwieweit er es vermag, sich in einen Text einzuschreiben.

Voecks beschäftigt sich mit Wechselwirkungen von Architektur und Syntax, zwei- und dreidimensionalem Raum, Performance und Dokumentation, Dokumentation und Fiktion. Im Foyer von Port25 – Raum für Gegenwartskunst entsteht eine Installation, in der Voecks vorausgegangene Untersuchungen mit der aktuellen Recherche zur Architektur des Ausstellungshauses verbindet.

Hundert unter Tausend

Matthis Bacht, Sylvia Ballhause, Christian Buck, 

Margret Eicher, Jeannette Fabis, Barbara Hindahl,

Hubi M., Gisela Kleinlein, Skafte Kuhn, Ana Laibach,

Susanne Neiss, Andrea Ostermeyer, Irina Ruppert,

Konstantin Voit, Michael Volkmer


18.11.2017 – 04.02.2018 


Kunstkauf ist kein Privileg der Reichen! Zum Jahreswechsel bietet Port25 – Raum für Gegenwarts-kunst Originalkunstwerke und Editionen zum Kauf an. Den damit verbundenen Rollenwechsel vom Ausstellungshaus für Gegenwartskunst mit einem Fokus auf das Kuratorische zum kommerziellen Galeriebetrieb nehmen wir als Herausforderung gerne an, um unsere eigene Position im Kunst-betrieb kritisch zu hinterfragen.



Wer sich für ein Kunstwerk begeistert, lässt sich meist von einer Leidenschaft leiten, die gelegentlich zum Impuls der Begehrlichkeit führt. Mit dem Erwerb des Ersehnten wiederum entscheidet man sich für eine langjährige und anregende Beziehung, aus der nicht selten neues Wissen und unverhoffte Erkenntnisse folgen. Indem man sich in die erworbene Arbeit vertieft eignet man sich nach und nach weitere Kenntnisse an und stellt Bezüge her – zu anderen Arbeiten des jeweiligen Künstlers, zu seinen Zeitgenossen und gegebenenfalls zu philosophischen oder gesellschaftlichen Fragestellungen. Vielleicht entsteht aus diesem Interesse heraus sogar eine Sammlung? 


Wir teilen Ihre Begeisterung für aktuelle Kunst und haben Arbeiten von hoher Qualität ausge-wählt, die das oben beschriebene Beziehungspotenzial haben. Präsentiert werden Werke von Künstlern, die dem Haus in besonderer Weise verbunden sind und zumeist bereits hier ausgestellt haben.


Gute Kunst gibt es in allen Preisklassen – wir offerieren 100 Kunstwerke für jeweils maximal 990 Euro. Durch die Verkaufsausstellung fördert Port25 die teilnehmenden Künstler auf direkte Weise: 90 Prozent des Erlöses gehen unmittelbar an den jeweiligen Künstler.

Maikäfer flieg...


Korrespondenzen und Berichte

von Tante Lili, Leila und Nawar

Ein Gemeinschaftsprojekt von Sophie Sanitvongs, 

Lisa Massetti & Mehmet Ungan


01.12.2017 – 04.12.2018 


Der Zweite Weltkrieg – der Syrienkrieg – Flucht und Vertreibung: das Projekt „Maikäfer flieg“ will den universellen und diachronen Charakter von Leid, Verlust und Überlebenswillen, die durch Krieg und Flucht verursacht werden, einfangen und präsentieren. Dafür verbinden sich historische Quellen mit aktuellen Zeugnissen, das gesprochene Wort, Musik und visuelle Impulse, um Erfahrungen und Innenwelten von Geflüchteten sichtbar und nachfühlbar zu machen.





I Erzählungen und Landkarten   

  Orientalische Musikakademie Mannheim


II Dokumente und Flug         

   Gemeinschaftszentrum Jungbusch, Laboratorio17


III Stadt Geschichte           

    Port25 - Raum für Gegenwartskunst



Weitere Informationen auf der Website des Projekts:

Fritz Stier
Con Torso


06.10. – 05.11.2017 


Baerwind-Preis 2017 geht an Fritz Stier

Auszeichnung wird im Port25 verliehen


Kunst bedeutet Aktion – und Arbeit. Wer wüsste das besser als Fritz Stier, der seit Jahrzehnten unermüdlich neue Projekte entwickelt und vieles auf einmal ist: Kurator und Künstler, Impulsgeber und Initiator von Ausstellungen und Initiativen. Das würdigt die Rudi-Baerwind-Stiftung nun mit ihrem Kunstpreis, den sie alle vier Jahre an herausragende Kulturschaffende der Rhein-Neckar-Region vergibt.


Dotiert ist die Auszeichnung, die am Freitag, 06. Oktober, um 19 Uhr im Port25 – Raum für Gegenwartskunst vergeben wird, mit 5000 Euro. Im Rahmen der Preisverleihung zeigt Stier eine Arbeit aus seinem vielfältigen Schaffen: Das Werk „con torso“ ist eine fünfteilige Videoinstallation, für die er eine Schlangenfrau des russischen Staatszirkus mit einer Highspeedkamera gefilmt und auf Stahlplatten projiziert hat. Der Effekt ist verblüffend und exemplarisch für sein Werk: Stiers Videoarbeiten umkreisen oft Extreme des Körpers, sie thematisieren Existenzielles, aber auch den Aspekt der Zeit.


Foto: con torso, 5-Kanal-Videoinstallation, 2014. Detail.

© Fritz Stier

Biennale für
aktuelle Fotografie
Farewell Photography


Natalie Bookchin, Hans-Peter Feldmann,

Andreas Horlitz & Rein-hard Matz, Stefan Karrer,

Marc Lee, Eva & Franco Mattes, D. H. Saur,

Joachim Schmid, Juergen Teller, Amalia Ulman,

Andrew Norman Wilson


09.09. – 05.11.2017


Kein Bild ist eine Insel

Wie prägt das Teilen unseren Umgang mit Bildern?

- kuratiert von Fabian Knierim -


Wie gebrauchen wir Bilder heute? Wir teilen sie. Seit ihrer Erfindung ist die Fotografie ein Medium des sozialen Austauschs, mittels dessen sich Menschen zueinander in Beziehung setzen. Mit der Digitalisierung ist nicht nur die Menge fotografischer Bilder explodiert, auch ihre bereits in der analogen Ära charakteristische Reproduzierbarkeit und Distributionsfähigkeit hat sich potenziert. Durch die Verbindung von Smartphone und Kamera ist nahezu alles, zu jeder Zeit, von jeder Nutzerin und jedem Nutzer fotografisch dokumentierbar, und kann im selben Moment an Millionen andere übertragen werden.

Fotografien, so scheint es, realisieren in einer solchermaßen vernetzten Kultur ihr Kapital nur dann vollständig, wenn sie mit anderen geteilt werden. Sharing ist die fotografische Gebrauchsweise der Stunde. Das einzelne, isolierte Bild hat ausgedient, stattdessen tauchen Fotografien als Teil von Kommunikationsketten und Beziehungsnetzen auf. In den sozialen Medien und in Messenger-Diensten wie WhatsApp oder Snapchat sagt ein Foto oft mehr als tausend Worte oder 140 Zeichen, es verlangt nach einer Antwort, wird geliked, gehated und erneut geshared. Als Memes breiten sich Bilder über das Internet wie ein Virus aus, werden von Usern modifiziert und wieder in die Umlaufbahn entlassen. Ihr natürlicher Zustand ist die Zirkulation. Jede Google-Suche fördert nie nur ein einzelnes Bild aus den Archiven des Internets zu Tage, sondern stets eine Hundertschaft. Jedes Foto auf Facebook oder Instagram ordnet sich in eine Online-Biografie ein und ist per Hashtag mit einer Vielzahl anderer Aufnahmen verknüpft. Kein Bild ist eine Insel.

Die Motivationen, aus denen heraus Bilder geteilt werden, sind dabei so unterschiedlich wie widerspruchsvoll. Wir teilen, um mit anderen zu kommunizieren, um uns abzugrenzen und anzupassen, um uns unserer selbst zu versichern, zum Zeitvertreib und als politische Äußerung. Sharing produziert Gemeinschaft und Ausgrenzung, es ermächtigt, übt soziale Kontrolle aus, definiert neue Genres und ist ein ökonomischer Faktor. Für die Arbeiten der Ausstellung sind die zirkulierenden Bilder Material und Thema gleichermaßen. Sie fragen nach den ästhetischen und sozialen Konventionen, die sich durch das Teilen herausbilden, nach dem Verhältnis von öffentlich und privat, von Individuum und Community und nach Strategien, den Bilderfluss zu regulieren und der Masse an frei flottierenden Bildern Herr zu werden.


Website der Biennale für aktuelle Fotografie.


Foto: Eva und Franco Mattes, Ceiling Cat, 2016
© Eva und Franco Mattes, courtesy Carroll/Fletcher, London



Francisco Klinger Carvalho, Jutta Grell,

Myriam Holme, Herbert A. Jung & Susanne Lyner


15.07. – 20.08.2017

Die Ausstellung verbindet fünf Künstler unterschiedlicher Generationen, die überwiegend aus der Region stammen und sich der künstlerischen Form über eine materialorientierte Vorgehensweise nähern, sei es im Medium der Malerei, der Collage oder in raumgreifenden Installationen. Als Material wird zuweilen auch der eigene Körper aufgefasst, der den Herstellungsprozess durch seinen Einsatz beim Spachteln, Reißen, Farbeauftragen, Farbewerfen oder auch nur durch Fingerabdrücke steuert. Ausgangspunkt der künstlerischen Praxen ist sowohl die Suche nach der Balance, als auch die experimentelle Erkundung der Wirksamkeit gegensätzlicher Kräfte. Die Relation von Struktur und Chaos, vom Davor und Dahinter, dem Innen und Außen sowie dem kalkulierten Zufall als bildbestimmendem Verfahren wird in den ausgestellten Werken visuell erfahrbar. Aus Prozessen des sich ähnlich Wiederholenden entsteht eine unerwartete Vielfalt, die fasziniert.



Wir danken den Leihgebern:
Aral Tankstelle Jungbusch, Café Le Palme, Creative Factory – Gemeinschaftzentrum Jungbusch, Goodstein & Fram, Kombüse, Laboratorio17, Maria Jungbusch, St. James, Yalla Yalla! – studio for change, zeitraumexit, Frank Zumbruch.


Foto: Ausstellungsansicht in Port25, Susanne Lyner, "les bellettes der mme fredi", © Susanne Lyner, Foto: Toni Montana Studios©

Supercopy - World Copy


Sylvia Ballhause, Daniel T. Braun,

Christoph Büchel, Márcio Carvalho,

Hadia Gana, Andreas Hachulla,

Abdellah Hassak, Guido Münch,

Ülkü Süngün, Stephanie Syjuco


in Kooperation mit zeitraumexit 

Alte Feuerwache


20.05. – 02.07.2017 



Kopiert wird überall, aber Kopie ist dabei nicht überall gleich Kopie. SUPERCOPY – WORLD COPY präsentiert künstlerische Haltungen, welche die strukturellen Voraussetzungen sowie die Methoden des Kopierens reflektieren, indem sie sich bestehende Konzepte, Techniken, Materialien und Motive aneignen. Nach dem vielbeschworenen Tod der Malerei ist die Funktion des Künstlers als Schöpfer obsolet: er agiert als Interpret des Vorhandenen.

Einen Fokus legt die Ausstellung auf transkulturelles Kopieren als Strategie des globalen Austauschs. Aus diesem Anlass wurde das internationale Kuratoren-Kollektiv Madrassa Collective eingeladen. Die von Madrassa präsentierten Arbeiten bilden eine Art kritische Reiseroute, die sowohl Prozesse kultureller Aneignung und politischen Wandels als auch die Aushandlungs-prozesse, die hinter den Mechanismen der kollektiven Gedächtnis- und Identitätsbildung liegen, untersucht.


Details zur Ausstellung und den ausgestellten Werken finden Sie auf den Künstler-Seiten.

Die Ausstellung geht aus dem interdisziplinären Festival SUPERCOPY hervor, das Kunst, Wissenschaft und politische Ökonomie zusammenführt.

Initiiert von supPORTer e.V., in Kooperation mit Alte Feuerwache und zeitraumexit.



Die Ausstellung wird gefördert durch das Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.









Foto: Ausstellungsansicht in Port25, Detail, Hadia Gana: "The Flip Flop System", © Hadia Gana. Foto: Toni Montana Studios©

Port25 meets B-Seite

Martin Backes, Johannes Bayer & Tobias Gallé,

Lars Breuer, Werner Degreif, Juliane Gutschmidt,

Schirin Kretschmann, Skafte Kuhn, Ana Laibach,

Nika Oblak & Primož Novak, Roland Schappert



18.03. – 07.05.2017

Mit der Ausstellung „Port25 meets B-Seite“ wird der Ausstellungsraum als solcher thematisiert. Die weißen Wände, die üblicherweise im white cube als Rahmen und Display zur Präsentation von Werken der Bildenden Kunst fungieren und keinen eigenen ästhetischen Wert haben, sind in der Ausstellung wie Objekte in die Mitte des Raumes gerückt. Somit wird das Neutrale und sekundär Wirksame selbst zum Sujet der Betrachtung. Damit wird nicht zuletzt der Beobachtung Rechnung getragen, dass sich die gegenwärtige Kunstproduktion immer weniger in einzelnen Werken, dafür aber in Prozessen der Inszenierung äußert.


Port25 hat sechs Künstler eingeladen, sich mit der Ausstellungswand zu befassen. Lars Breuer, Werner Degreif und Ana Laibach haben jeweils eine neue Arbeit für eine frei im Raum stehende Wand entwickelt. Schirin Kretschmann zeigt „Keilerei (mechanische Lösung eines philosophischen Problems)“ in Port25 zum ersten Mal an einer freistehenden Wand und Skafte Kuhn befasst sich mit dem ungewöhnlichen Betonkubus, der für den Ausstellungsbetrieb in der Regel ohne Nutzen ist, dennoch aber den architektonischen Raum prägt. Roland Schappert schließlich hat für den architektonischen Zwischen- oder aber Übergangsraum des Treppensturzes eine Wandarbeit entwickelt, die im Rahmen der Ausstellung zum ersten Mal aufgeführt wird.


Das Festival B-Seite, das in diesem Jahr seine zehnte Ausgabe feiert, hat mit Martin Backes, Johannes Bayer & Tobias Gallé, Juliane Gutschmidt und Nika Oblak & Primož Novak Künstler aus den Bereichen der New Media und Digital Art eingeladen. Gemeinsam ist ihren Arbeiten, dass sie Medientechnologien einsetzen um unsere Wahrnehmung zu hinterfragen und uns auf zumeist sehr freudvolle Weise einen Blick hinter die Funktionsweisen von Computern und Medientechnologien zu erlauben.



Foto: Ausstellungansicht in Port25, Skafte Kuhn: Einer kommt, einer geht, 2017, © Skafte Kuhn. Foto: Toni Montana Studios©

Präsentation Label Magazine
Jetztmusik Festival 2017


21.04. – 07.05.2017 



Das Kölner Musik-Label "Magazine" von Daniel Ansorge, Jens Uwe Beyer und John Harten

präsentiert seine Veröffentlichungen und Editionen im Rahmen des Jetztmusik Festivals im Foyer von Port25 – Raum für Gegenwartskunst. Die Releases von "Magazine" bewegen sich zwischen Avantgarde und Clubkultur, an der Schnittstelle von elektronischer Musik und Kunst. Das visuelle Konzept des Labels verfolgt die Idee, das üblicherweise eher zufällige Verhältnis von Artwork und Musik mit stringent formalen Kriterien zu überwinden. 


Mehr Informationen: Jetztmusik Festival und Magazine.


Foto rechts: Toni Montana Studios©

Give and Take Art

Antoanetta Marinov



25.03. – 16.04.2017 



Die Berliner Künstlerin Antoanetta Marinov lädt mit ihrem Projekt „Give & Take Art” KünstlerInnen dazu ein, Kunstwerke zu verschenken. Interessierte Künstler sind eigeladen sich an dem Projekt zu beteiligen und ein oder mehrere signierte Werke, die sie verschenken möchten, im Regal zu platzieren. Andere Künstler sowie die Besucher können diese dann wiederum entnehmen, wobei der Prozess des Gebens und Nehmens schriftlich dokumentiert wird. Vom 18. April bis 16. Juli steht das Regal im Mannheimer Kunstvereins und wird dann an weitere Mannheimer Kunstorte reisen: zeitraumexit und Kunsthalle Mannheim.

Das, was bleibt

Dieter M. Gräf, Marvin Hüttermann
& Irina Ruppert


28.01. – 05.03.2017 


Was wird aus dem, was wir zurücklassen? Was bleibt von einer Person in den Objekten zurück, die sie hinterlässt? Was erzählen diese Objekte über das Trauma des Verlustes? Wie wird die Erinnerung zu einer neuen Erzählung? Die Ausstellung „Das, was bleibt“ zeigt anhand von zwei künstlerischen Positionen den Umgang mit Verlassenschaften von Angehörigen, eine weitere beschäftigt sich mit dem physischen aus der Welt Scheiden.


Irina Ruppert entdeckt im Nachlass der im Jahr 2009 verstorbenen Heidrun neben rund 200 Tagebüchern und Fotoalben eine Händesammlung mit 280 Objekten. Tagebücher und Sammlung werden zum Gegenstand Ihrer künstlerischen Recherche über die Verstorbene. Deutet das systematische Sammeln auf die Wünsche von Heidrun? Gibt es einen Bezug zu ihrer Erfahrung von Krieg, Flucht und Verlust? Lässt sich aus dem Erbe ein Psychogramm einer Person oder sogar einer Generation rekonstruieren?


Dieter M. Gräf zeigt Fotografien, die er nach dem Tod seiner Mutter in seinem Elternhaus in Maudach aufgenommen hat. Er erforscht das Zuhause seiner Kindheit und hält mit dem Handy fest, was ihn an diese erinnert und sich seither nur wenig verändert hat. Die Fotografien, die den Blick des Betrachters über das Treppenhaus ins Wohnzimmer, Schlafzimmer, ins Bad und in den Keller des Hauses führen, sind von poetischer Dichte und deuten auf die Fragilität und Vergänglichkeit unserer Existenz. 


Marvin Hüttermanns Fotografien folgen den Spuren dessen, was bleibt, wenn nichts mehr ist. Verschwinden wir spurlos? Eine Frage, der wir im Alltag ausweichen und die wir so einfach nicht beantworten können. Hüttermann setzt sich mit dem Tod, den Verstorbenen und ihren Hinterlassenschaften auseinander. Dazu fotografiert er in den Wohnungen von Verstorbenen, in Bestattungsunternehmen und im Krematorium. Die Serie "Es ist so nicht gewesen" kombiniert in sorgsam aufeinander abgestimmten Bildpaaren das, was noch da ist, mit dem, was bereits gegangen ist.



Mit freundlicher Unterstützung von:












Foto: Ausstellungsansicht "Das, was bleibt" © Toni Montana Studios; Marvin Hüttermann aus der Serie “Es ist so nicht gewesen”, 2013/2014

Girls Go Movie


Die Filmhighlights aus dem Festivaljahr 2016

auf einer Filmstation im Foyer


04.02. – 05.03.2017

Im Rahmen der Eröffnungsveranstaltung kommen drei Filmerinnen mit den GIRLS GO MOVIE Fachfrauen Ruth Hutter (Künstlerische Leitung) und Dr. Kathrin Lämmle (Projektmanagement & Leitung) ins Gespräch. Das Interview wird live und vor Publikum vom OK-TV Ludwigshafen aufgezeichnet.


Anwesende Filmerinnen im Gespräch:

Lisa Zielke – „Mach Sauber – Guaia Guaia“

Evelina Winkler – „Betonblüten“

Simone Rduch – „Away“


Veranstaltet von:

Filmbüro Mannheim (Stadtjugendring Mannheim e.V. – FORUM / Stadt Mannheim – FB Kinder, Jugend und Familie – Jugendförderung) & PORT25 – Raum für Gegenwartskunst Mannheim


Unterstützt durch:

Landesanstalt für Kommunikation Baden-Württemberg (LFK)

Stiftung MedienKompetenz Forum Südwest (MKFS) 

Filmförderung Baden-Württemberg (MFG), Kindermedienland

OK-TV Ludwigshafen

Arnold & Lang 


Link zur Website: hier.


Foto: Toni Montana Studios©

Simone Demandt
& Margret Eicher
Common Cause


20.11.2016 - 15.01.2017


In der Ausstellung „Common Cause“ wird erstmalig ein Überblick über die gemeinsamen Projekte der beiden Künstlerinnen Simone Demandt und Margret Eicher gegeben. Im Zentrum steht die Entwicklung der aktuellen Produktion „Planet Museum“. Mit „Planet Museum“ richten die Künstlerinnen ihren Blick erneut auf die vielfältige Präsentation und Vermittlung von aktueller Kunst, diesmal idealerweise weltweit. „Planet Museum“ geht aus einem Projektvorschlag der Künstlerinnen für die documenta 11 hervor und initiiert in seiner aktualisierten Form eine global wirksame, medienbasierte Reise zur gegenwärtig praktizierten Auswahl und Präsentation von bildender Kunst. Demandt und Eicher formen aus dem Material filmischer Selbstdarstellungen von Kunsträumen bzw. von deren Kuratoren einen neuen hybriden Kunstraum: das „Planet Museum“. Antrieb für dieses Projekt ist die Neugier auf die globalen Veränderungen innerhalb des Kulturbetriebs. 


Link zur Homepage des Planet Museums hier.


Den Arbeiten der beiden Künstlerinnen gemein ist der Bezug zur Präsenz und Macht des Bildes als Vermittler von Werten, Idealen oder Ansichten. Eicher und Demandt verbinden ihre Arbeitsweisen bereits seit dem Jahr 2000 durch gemeinsame Projekte. Beispielsweise forderten sie in der Staatsgalerie Stuttgart sowie im Stadtraum Stuttgart mit dem Projekt „Sehen Sie! Sehen Sie?“ zum genauen Hinsehen und zum Reflektieren des Gesehenen und zu Sehenden auf. Ihre künstlerische Intervention „let me be your supervisor“ verknüpfte im Jahr 2015 das aktuelle Thema der permanenten Überwachung mit der Frage nach den Machtverhältnissen innerhalb des Kunstbetriebes. Die Videoinstallation zeigte die voyeuristische Einsichtnahme in das persönliche Arbeitsfeld von Kuratoren und Kuratorinnen und hinterfragt ihre Funktion bei der Wertung künstlerischer Positionen. Neben der retrospektiven Sicht auf die künstlerische Kollaboration deutet „Common Cause“ auf die jeweils eigene künstlerische Haltung von Demandt oder Eicher, indem beispielhaft Arbeiten aus einer ihrer aktuellen Werkgruppen gezeigt werden.



Foto: Ausstellungsansicht fotografiert von Simone Demandt



Mit freundlicher Unterstützung von

Fischer Architekten Mannheim/Köln/Berlin/Dubai und Alfred Ritter GmbH & Co. KG:

Seiichi Furuya
06.10. - 06.11.2016


Die Fotografien des in Japan geborenen Seiichi Furuya verweisen stets auf das Verhältnis von individueller und politischer Geschichte und berühren so unser Verständnis von Zeitgenossenschaft und Erinnerung. Mit seinen sehr persönlichen Aufnahmen, die er bis heute in vielzähligen, immer wieder aufs Neue editierten Fotobüchern publiziert, ordnet er private und öffentliche Vergangenheit. Der Rückblick erfolgt mit zunehmender Distanz auf das Erlebte und Gesehene. Aus der zuletzt getroffenen 44-teiligen Auswahl „Gravitation“, die bereits in den Technischen Sammlungen Dresden und kürzlich in der Galerie Thomas Fischer, Berlin, zu sehen war, zeigt Port25 – Raum für Gegenwartskunst anlässlich der OFF//FOTO eine Zusammenstellung von 13 Fotografien, die zwischen 1983 und 1994 entstanden sind. 


Die OFF//FOTO fungiert als flexible künstlerische Plattform für Fotografie in der Metropolregion. In der diesjährigen zweiten Ausgabe zeigen 51 Ausstellungsorte neue fotografische Positionen und etablieren die OFF//FOTO damit als weiteres Format für zeitgenössische Fotografie an Rhein und Neckar. 


Mit Dank für die Zusammenarbeit an die Galerie Thomas Fischer, Berlin. 



in Kooperation mit dem Kunstverein Ludwigshafen


17.09. - 06.11.2016



Zeit ist ein nur schwer beschreibbares Phänomen, von welchem jedoch eine große Faszination ausgeht – ein Rätsel, ein Paradoxon, die Grundlage allen Seins. Im sprachlichen Gebrauch operieren wir mit dem Begriff Zeit, zumeist ohne genauer darüber nachzudenken, was Zeit im eigentlichen Sinn bedeutet. Im Unterschied zu den für einen Laien nur schwer verständlichen wissenschaftlichen Analysen von Zeit, bietet die bildende Kunst einen eigenen Zugang zu diesem Thema, indem sie sinnlich und ästhetisch nachvollziehbar macht, was sich hinter dem Begriff Zeit verbergen kann. Zahlreiche Künstlerinnen und Künstler der Gegenwart befassen sich auf vielfältige Weise mit dem komplexen Thema. Über die Erzeugung langlebiger ästhetischer Objekte hinaus haben die Handlung sowie der Prozess in ihrer jeweiligen künstlerischen Praxis an Bedeutung gewonnen. Der Blick durch die Kunst auf die Zeit ermöglicht uns nicht zuletzt eine Atempause von der Beschleunigung, der wir im Alltag ausgesetzt sind. Diese Pause bietet eine Alternative zur üblichen Methode, Zeitknappheit durch Beschleunigung zu kontrollieren und dadurch das Bewusstsein unserer eigenen Zeitlichkeit zu verdrängen. 


An der Ausstellung nehmen Künstlerinnen und Künstler verschiedener Generationen und mit unterschiedlichen künstlerischen Praxen teil. Sie richten den Blick auf ein komplexes Thema, das die Wahrnehmung für das Verstreichen von Zeit ins Zentrum ihrer künstlerischen Produktion stellt.


Teilnehmende Künstlerinnen und Künstler:

Siegfried Anzinger, Collaboration_Patrycja German / Holger Endres, Claudia Desgranges, Peter Dreher, Byung Chul Kim, Karin Hoerler, Herlinde Koelbl, Jürgen Krause, Ae Hee Lee, Pia Linz, Oscar Muñoz, Jens Risch, Jan Schmidt, Claus Stolz, Konstantin Voit.


In Kooperation mit dem Kunstverein Ludwigshafen.



Mit freundlicher Unterstützung von:

Barbara Hindahl
Bernhard Sandfort

Preisträger Mannheimer Kunstpreis 

der Heinrich-Vetter-Stiftung 2016


30.07. - 04.09.2016


Der „Mannheimer Kunstpreis der Heinrich-Vetter-Stiftung“ zeichnet in diesem Jahr herausragende Positionen aus den Sparten Malerei, Zeichnung und Grafik aus. Port25 – Raum für Gegenwartskunst präsentiert mit Barbara Hindahl und Bernhard Sandfort die beiden Preisträger in einer Gemeinschaftsschau.


Barbara Hindahl

Hindahl ist als Preisträgerin des Mannheimer Kunstpreises der Heinrich-Vetter-Stiftung in diesem Jahr bereits zum zweiten Mal im Port25 – Raum für Gegenwartskunst mit einer Auswahl ihrer Arbeiten vertreten. Die aktuelle Präsentation zeigt Beispiele aus zwei Werkgruppen, die für die künstlerische Praxis Hindahls programmatisch sind. Hindahl realisiert im Rahmen der Preisträgerausstellung eine temporäre Arbeit in situ, mit der sie das zweidimensionale Medium Zeichnung in den Raum hinein erweitert. Durch die Brechung an den vorgefundenen architektonischen Elementen zersplittert die imaginäre Linie und kann lediglich vom „richtigen“ Stand- und Blickpunkt aus als Einheit wahrgenommen werden. Auf den ersten Blick irritieren die Bruchstücke den Betrachter bei seiner Bewegung durch den Ausstellungsraum. Sie animieren aber auch zur Reflexion der Architektur sowie des eigenen Sehens.

Die zweite Werkgruppe besteht aus einer Reihe von „Stücken” für handelsübliche Tintenstrahldrucker, den printer pieces. In Abhängigkeit von dem Druckbild erzeugen Drucker ein spezifisches Klangbild, dem beim alltäglichen Gebrauch kaum Aufmerksamkeit entgegengebracht wird. Das Klangbild ergibt sich aus einem Bewegungsmuster, das der Druckschlitten vollzieht und das sowohl als akustischer Rhythmus als auch als Bewegungsrhythmus beschreibbar ist. In der Video-Klanginstallation DPI 5 hat Hindahl die so erzeugten Geräusche in der Postproduktion dramaturgisch verlangsamt oder beschleunigt. In der Projektion der Videoaufnahmen des Druckvorganges werden die Dimensionen des Gezeigten im Verhältnis zu ihren realen Ausmaßen vergrößert. Auf diese Weise schafft Hindahl einen Erlebensraum für den Betrachter, der ihn visuell mit einer Welt von bereits medial verwertetem Bildmaterial verschiedener Genres konfrontiert: gewaltsame Konflikte, Demonstrationen, Celebrities und Society.


Bernhard Sandfort

Beeindruckt von den Werken Mondrians, van Doesburgs und Sotos findet Sandfort in der Linie ein Element, das seit dem Jahr 1965 die gestaltende Komponente seiner künstlerischen Arbeiten ist.

Die Ausstellung im Port25 – Raum für Gegenwartskunst beginnt mit Einzelbildern aus den Jahren 1958 bis 1961, auf denen determinierte Farbverläufe dargestellt sind. Insbesondere die frühe zwanzigteilige Arbeit von Farbverläufen Permutation aus den fünf Grundfarben (1961 -1966), an der Sandfort insgesamt sechs Jahre arbeitet, macht seine seither konsequent fortgeführte Arbeitsweise deutlich. Jede Permutation ist als Einzelbild gemalt und stellt eine nahezu zwingende Verbindung der Linienkomposition aus den Farben Schwarz und Weiß mit Rot, Blau und Gelb dar. Für eine Reihenfolge der Einzelbilder innerhalb der Gruppe jedoch gibt es weder eine logische noch eine ästhetische Notwendigkeit, so dass Sandfort für jede neue Hängung nach dem Zufall entscheidet, womit neben der Gesetzmäßigkeit zugleich auch der Zufall Eingang in das Werk des Künstlers findet. Die Verknüpfung von Gesetzmäßigkeit und Zufall ist seither Gegenstand der künstlerischen Praxis Sandforts. Seit seinem Schlaganfall im Jahr 2003 führt er diese Thematik in kleinformatigen Leinwänden, den Sehwegen fort.


Uncover Designpreis 2016
18.06. - 10.07.2016



Die Ausstellung FORMSCHAU präsentiert die 12 Nominierungen aus insgesamt 72 Einreichungen für den ersten UNCOVER Designpreis der Stadt Mannheim, der am 9. Juli 2016 in vier Kategorien vergeben wird. Ausgewählt wurden Positionen, die Momente, Vorstellungen und Konstruktionen von Gastlichkeit in den Blick nehmen und anhand von Objekten, Produkten, Installationen und Initiativen zur Diskussion stellen.


Design ist nicht allein die Gestaltung unserer Umgebung nach ästhetischen oder ökonomischen Kriterien, es wirkt vielmehr als heterogenes Netzwerk aus Dingen und zwischenmenschlichen Beziehungen, das Zusammenleben und Handlungsweisen strukturiert. Aus dieser Perspektive zeichnet der UNCOVER Designpreis Postionen aus, die unsere Gegenwart kritisch analysieren und das Verständnis von Technologie, Gesellschaft und Gestaltung thematisieren. Der Wettbewerb des ersten UNCOVER Designpreises findet unter dem Stichwort „Gastlichkeit“ statt. Gerade weil gegenwärtig in Europa auch Ungastlichkeitserfahrungen gemacht werden, erscheint es dringlich, die kulturellen Praktiken der Gastlichkeit in Bezug auf ethische, juristische, soziale, politische und ökonomische Faktoren gestaltend zu reflektieren. 


Die Ausstellung FORMSCHAU ist Teil des neuen - alle zwei Jahre stattfindenden - Designfestes UNCOVER MANNHEIM, das aus der im Jahr 2012 erstmals statt gefundenen FORMSCHAU hervorgeht und im Wesentlichen aus zwei Elementen besteht: Zum einen findet ein Fachkongress für DesignerInnen statt, in dem in Vorträgen, Workshops und Symposien über die zukünftige Entwicklung der Branche diskutiert, Wissen vermittelt und Erfahrung ausgetauscht wird. Zum anderen wird der Öffentlichkeit eine Reihe von Präsentationsformaten gezeigt, in deren Zentrum die Ausstellung FORMSCHAU im Port25 - Raum für Gegenwartskunst steht.


Zur Ausstellung ist ein Katalog erschienen, der von Deutsche & Japaner gestaltet wird: Link zum Shop.


Weitere Informationen zu den Nominierungen, dem Auswahlverfahren und dem geplanten Programm des Designfestes finden Sie unter: UNCOVER

Matthew Day Jackson
In Search of... Eidolon


01.06. - 05.06.2016


In Kooperation mit dem

Theaterfestival Schwindelfrei


Der Künstler Matthew Day Jackson wurde 1974 in Panorama City, Kalifornien/USA geboren und lebt heute in Brooklyn, New York. Er arbeitet mit dem künstlerischen Mittel der Bricolage sowie mit unterschiedlichsten Medien. Der Künstler-Archäologe verstrickt mit meist ironischen Bezügen Fiktionales mit Historischem. Seine Arbeiten hinterfragen fest etablierte Perspektiven auf die Welt und negieren ein lineares Geschichtsmodell. Dabei steht immer auch die Mythologisierung des eigenen Künstler-Selbst im Zentrum des Schaffens, das Körperlichkeit und destruktive Resultate menschlicher Erfindungskraft in Relationen setzt.

Die von Matthew Day Jackson im Jahr 2010 produzierte Reihe In Search of... basiert auf der gleichnamigen Serie aus den 1970er Jahren, in der sich der Moderator Leonard Nimoy auf die Suche nach historischen Ungereimtheiten und paranormalen Phänomenen machte. In der Folge In Search of... Eidolon bringt das mysteriöse Verschwinden des Künstlers Matthew Day Jackson unvorstellbare Zeichen und Fragen über die Menschheit ans Licht, die möglicherweise mit dem erstaunlichen Eidolon Fund verbunden sind - einer Sammlung von Artefakten, die im Hausbau Verwendung finden und deren genaues Alter und ursprünglicher Zweck Rätsel aufgeben. Anstatt paranormale Phänomene zu klären, wird eine Re-Mystifizierung der Welt in Form einer Parodie auf die ursprüngliche historische Fernsehserie initiiert.


Weitere Informationen zum Theaterfestival: Schwindelfrei

Vgl. Martin Hartung, In Search of… Eidolon, in: Ders./Andreas Beitin (Hg.), Matthew Day Jackson. Total Accomplishment, Ausst.-Kat. ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe/Berlin: Distanz Verlag, 2014, S. 212.

geh doch einfach weiter
Figur - Körper - Existenz

mit Andrea Esswein, Hubi M,
Wolfgang Sautermeister und Hanna Woll


09.04. - 19.05.2016


Die Ausstellung im Port25 – Raum für Gegenwartskunst zeigt ausgewählte Positionen aus der Region, die sich mit dem anwesenden und abwesenden Körper im Raum sowie seiner Darstellbarkeit als Bezugssystem zur räumlichen Dingwelt auseinandersetzen. Im Mittelpunkt steht das Werk des bisher kaum ausgestellten Mannheimer Künstlers Hubi M. In seinen großformatigen Gemälden arrangiert er Figuren im Raum, einige in expressiver Bewegung, andere in fast katatonischer Spannung. Ihr Verhältnis zueinander ist mehr als Bezug zum illusionistischen Bildraum angelegt, denn als dezidiertes Narrativ. Andrea Esswein nutzt für ihre Serie Brautkleider aus Secondhand Läden, die sie stückweise fotokopiert und in Lebensgröße neu zusammensetzt. Der Körper, der dieses Kleidungsstück getragen hat, die Person, die mit diesem Kleidungsstück den „schönsten Tag ihres Lebens“ verbracht hat, bleibt im Verborgenen. Auch in der bildhauerischen Praxis von Hanna Woll bildet der menschliche Körper die zentrale Referenz. Woll verwendet sehr heterogene Materialien, wie Lehm, verschiedene organische Stoffe, Glas, Zuchtkristalle, Textilien aber auch Kunststoffe, die auf teils ungewöhnliche Weise miteinander kombiniert werden. Der rudimentäre Charakter ihrer Arbeiten ist Ausdruck ihrer Fragen nach der Wandelbarkeit des Körperlichen und der Zerbrechlichkeit menschlicher Existenz. Wolfgang Sautermeister beschäftigt sich in seinen Performances mit der Präsenz des menschlichen Körpers im realen Raum und in seinen sozial konditionierten Verhaltensweisen. Die Live-Performance am Eröffnungsabend beleuchtet damit einen Teilaspekt des Konzeptes der Gruppenausstellung, die verschiedene Ansätze zur Erforschung der menschlichen Existenz und ihren individuellen Facetten aufzeigt.

Regionale 2016
05.02.2016 - 28.03.2016


Von Graffiti über Lichtinstallationen bis hin zu

Holzskulpturen: „Deltabeben. Regionale 2016“ zeigt einmal mehr, wie urban und vielfältig die Metropolregion Rhein-Neckar mit ihren Künstlern und deren Kunst ist.


Alle zwei Jahre werden im Wechsel mit dem Wilhelm-Hack-Museum und dem Kunstverein in Ludwigshafen künstlerische Positionen aus allen Gattungen der bildenden Kunst vorgestellt. Das gemeinsame Ausstellungsprojekt, das 2016 bereits zum vierten Mal stattfindet, versteht sich als Spiegel der künstlerischen Vielfalt der Metropolregion Rhein-Neckar.


Die teilnehmenden Künstler kommen aus allen Teilen der Region zwischen Mannheim, Mainz, Heidelberg und Karlsruhe. Ihr Spektrum reicht von Fotografie, Arbeiten auf Papier, Graffiti, skulpturalen und installativen Arbeiten bis hin zur Video- und Performancekunst. Der Graffitikünstler Hombre SUK, der seine Farbe schon in Shanghai, New York und Sofia versprühte, wird beispielsweise eine Wand des Mannheimer Kunstvereins besprayen, während die gebürtige Ludwigshafenerin Sabine Dehnel aktuelle Arbeiten zeigt, in denen sie die Medien Fotografie, Malerei und Installation vereint. Der Mannheimer Medienkünstler Benjamin Jantzen (auch unter dem Pseudonym Pixelschubser aktiv) lässt für Port 25 – Raum für Gegenwartskunst eine Licht- und Videoinstallation entstehen.


In der Kunsthalle Mannheim werden Skulpturen von Michael Dekker gezeigt, die wie zersprengte Holzlatten wirken, die

Dekker zu kristallinen bis insektenhaften Formen zusammensetzt. Andrea Esswein, bekannt für ihre „Kopigraphien“, befragt in ihrem Video „Zwischen Existenz und Exzellenz“ zehn Künstlerinnen und Künstler zu den Themen Anerkennung, Glück, Enttäuschung und Selbstwert, während Christiane Schlosser in ihren Arbeiten auf Papier die Grenzen der Wahrnehmung auslotet. Die weiteren Ausstellungsteilnehmerinnen und -teilnehmer sind: Kirsten Achtermann, Matthis Bacht, BASCO & TJ, Adam Cmiel, Geckeis & Walz, Janet Grau, Reiko Ishihara, Cholud Kassem, KIKE, Andrea Ostermeyer, Sven Paustian, Rosemarie Phiel, Jaime Ramirez, Schmott, Vicky Stratidou,, Maria Tackmann, Claudia Urlaß, Imran Utku und Julia Wenz.


Zur Ausstellung ist ein Katalog erschienen: Link zum Shop.

Jeannette Fabis &
Barbara Hindahl
drawing boring boing
28.11.2015 - 17.01.2016

Den Auftakt zu einer Ausstellungsreihe, in der jeweils zwei KünstlerInnen den Ausstellungraum kollaborativ bespielen, macht "drawing boring boing", mit den künstlerischen Positionen von Jeannette Fabis (*1967 in Heidelberg, lebt in Frankfurt a.M.) und Barbara Hindahl (*1960 in Rheinhausen, lebt in Mannheim). Die beiden Künstlerinnen kennen sich seit Jahren und sind auch jenseits der Ausstellung im Dialog über Gemeinsamkeiten und Differenzen in ihrer Arbeit. 


Fabis und Hindahl beschäftigen sich schon seit langem mit dem Medium der Zeichnung. In ihren künstlerischen Prozessen kalkulieren sowohl Fabis als auch Hindahl mit dem Zufall. Unter erheblichem Zeitaufwand und virtuosem Einsatz der zeichnerischen Mittel entstehen Werke, die auch das Unvollkommene einschließen.


Fabis verwendet Lineal und harte Bleistifte, Materialien die üblicherweise für technische Zeichnungen verwendet werden. Hindahl widmet sich in altmeisterlicher Tradition der naturgetreuen Wiedergabe von Flecken und dreidimensionalem Schmutz. So entstehen Originale, die eigentlich Reproduktionen des zufällig Entstandenen sind.


Zur Ausstellung erscheint ein Künstlerbuch: Link zum Shop.

6. Fotofestival
18.09.2015 - 15.11.2015

Wissen und Macht bilden in der Theorie des französischen Philosophen Michel Foucault zwei eng miteinander verflochtene Konzepte. Je extensiver und detaillierter unser Wissen, desto größer werden die Möglichkeiten der Kontrolle und damit der Macht. Das 19. Jahrhundert entwickelte zahlreiche Programme, um Objekte und Personen zu identifizieren, zu klassifizieren, auszumessen und zu berechnen. Praktiken der Überwachung, Beichte und Dokumentation konstituieren das Individuum als beschreibbares und analysierbares Objekt. Diese Entwicklung hat sich mit neuen Techniken der Beobachtung, der Archivierung, der Sammlung, der Analyse und der Vernetzung von Daten beschleunigt und verschärft. Dem steht unser eigenes, individuelles Wissen gegenüber, das für uns eine sinnvolle Ordnung in unserem Leben im Großkontext Welt schafft. Mit Aufmerksamkeit versuchen wir, die Vermischung der beiden Erkenntnisinteressen zu vermeiden. Doch wie, wenn die Wissensproduktion, Wissensvermittlung heutzutage hauptsächlich übers Internet läuft, das algorithmisch angelegt und ausgewertet wird? 


Künstler: Ilit Azoulay [IL], Daniel Blaufuks [PT], Hans Danuser [CH], Simone Demandt [DE], Yann Mingard [CH], Dayanita Singh [IN], Jules Spinatsch [CH] 


Das Fotofestival findet in drei Städten und zwei Bundes-ländern statt. Beteiligt sind sieben Museen und Kunstvereine der Städte Mannheim, Ludwigshafen und Heidelberg. In Mannheim nehmen die Kunsthalle Mannheim, Port25 - Raum für Gegenwartskunst und ZEPHYR – Raum für Fotografie teil. In Ludwigshafen werden im Kunstverein Ludwigshafen und im Wilhelm-Hack-Museum Ausstellungen zu sehen sein. Die Ausstellungsorte in Heidelberg sind der Heidelberger Kunstverein und die Sammlung Prinzhorn.


Abbildung links: Urs Stahel, Kurator des

6. Fotofestivals 2015, Copyright: Dan Cermak, Zürich


Katalog zur Ausstellung: Link zum Shop.


Schönheit des Alltäglichen


18.07.2015 - 30.08.2015


Über den Lebensraum von Menschen und auch von Tieren denken sowohl Designer, als auch Bildende Künstler in ihrer kreativen Praxis nach. Während es kaum zeitgenössische Kunst gibt, die sich nicht mit dem Begriff der Kunst selbst auseinandersetzt, steht bei Produktdesignern Effizienz und Nützlichkeit eines Produktes im Vordergrund der Beschäftigung mit dem Alltäglichen. Aus beiden Prozessen können Dinge entstehen, die in der Wahrnehmung gleich oder sehr ähnlich erscheinen, von denen eines aber ein Kunstwerk ist und das andere nicht. Nicht immer lässt sich die Schnittstelle zwischen Gebrauchsgegenstand und Skulptur, zwischen Kunst und Leben trennscharf markieren.


Schönheit des Alltäglichen beschäftigt sich mit künstlerischen Positionen an der Schnittstelle zwischen Kunst und Design und ist als programmatischer Auftakt zu der Inbetriebnahme von Ausstellungsraum und benachbartem Kreativwirtschaftszentrum zu verstehen. Im Zentrum der Ausstellung steht ein Kunst-Öko-Design-Urbanitäts-Projekt, die Alfred Packer Company, die in den Konversionsgebieten in Mannheim entstanden ist und hier zugleich Kunst-, Wirtschafts- und Lebensraum entwickelt.


Gruppenausstellung mit Alfred Packer Company, Max Kosoric, Florian Slotawa, Ulrich Strothjohann.


     © PORT25  

Hafenstraße 25-27   68159 Mannheim   Tel. 0621 33934397

Mi — So 11 – 18 Uhr

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