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Lichtecht
Edgar Lissel & Claus Stolz
20.03. — 20.06.2021
Lichtecht
Edgar Lissel & Claus Stolz
March 20, 2021 — June 20, 2021
digital opening: March 19, 2021 — 7 p.m.
What is photography, in actual fact? This question, among others, is pursued by Edgar Lissel and Claus Stolz. Following entirely different paths, both explore the basic concept and the limits of the photographic, combining media archaeology approaches with contemporary technologies as they do so.
Edgar Lissel (*1965 in Northeim, lives in Vienna) follows a strongly conceptual approach. For example, he converts entire living spaces into pinhole cameras, so that the upside-down picture of the urban exterior on the image’s surface merges with the silhouettes of the furnishings inside. Alternatively, he avails himself of biological phenomena by using certain photosensitive bacteria in the image creation process. The growth process of these bacteria colonies makes pictures visible that would not be reproducible, since in a sense, under the artist’s guidance, they arose through the interplay of light, time, motion and space. Behind this there is a querying of photographic processes, within which Edgar Lissel abolishes the distance between himself and the photographic event that would result from the use of a camera, for instance.
Whereas Edgar Lissel thus evinces a comprehensible closeness and directness to the photographic image, with Claus Stolz (*1963 in Mannheim, resides there likewise) the image bridges sometimes inconceivable distances: In his “Sunburns” there is nothing, apart from a lens that concentrates the sunlight, between the light source and the photographic material. An occurrence extended across approximately 150 kilometres becomes visible in its microscopic effect. This is a radical form of analogue photography, in which the artist plans the controlled fortuity, launches, observes and halts the process. Claus Stolz is committed to photographic experiments with material; the illustrative function immanent in photography is an incidental aspect to him. This latter comes to bear in his series “Kammerspiel”, however. What appears to be precise sharply photographed, luminously colourful blossoms against a dark ground reveals itself as bizarre still life arrangements.
The exhibition is sponsored and supported by the Ministry of Science, Research and the Arts Baden-Wüttemberg within the framework of the impulse program "Kunst trotz Abstand":
exhibition
Deltabeben
Eröffnung am 25. Juli 2019, um 19 Uhr
26.07. — 22.09.2019
Deltabeben. Regionale 2020
In cooperation with the Kunsthalle Mannheim and the Kunstverein Mannheim
November 29, 2020 — February 28, 2021
Every two years, and for the sixth time in 2020, the "Deltabeben" will take place - alternately in Mannheim and Ludwigshafen: A joint exhibition project of the institutions for contemporary art. In the meantime, it has become a continuous overview show of art in the Rhine-Neckar metropolitan region, which shows and documents the artistic diversity again and again. The participating artists* come from all parts of the region between Mannheim, Mainz, Heidelberg and Karlsruhe. Their spectrum ranges from photography, painting, sculptural and installation works to video and performance art. It is not possible to apply for participation, but a changing team of experts from the art scene is asked to propose two artists* each. There is no age limit, but the artists should live and work in the region, because the "Deltabeben" also serves to promote exchange and networking between the individual smaller art scenes in the region. "Deltabeben. Regionale 2020" shows once again how urban and diverse the Rhine-Neckar metropolitan region is with its artists* and their art.
Positionen erweiterter Malerei
Crisis? What Crisis?
Doris Erbacher, Martin Gerwers,
Sophie Innmann, Jonas Maas, Franziska Reinbothe
19. September – 08. November 2020
Eröffnung am 18. September 2020 — 19 Uhr
Crisis? What Crisis?
Positionen of Expanded Painting
Doris Erbacher, Martin Gerwers, Sophie Innmann, Jonas Maas, Franziska Reinbothe
September 19 – November 08, 2020
Painting’s crisis is evoked by critics and curator with reliable regularity. Amid all this, artists simply continue to paint; no trace of any crisis.
That being said, the boundaries of the conventional canvas were overstepped long ago – painting reaches out into the room, it becomes an object, an installation, a released colour. Not even a brush is necessarily needed, for after all, every material has a colour and structure already, painterly values, therefore. In the exhibition, artistic positions are on show that pursue abstract or objectless approaches and probe the space using different strategies.
Doris Erbacher, like Martin Gerwers, sounds out the relationship between colour, shape, light and space. Both occasionally convey their picture carrier into three-dimensional sculpture, and viewers actively moving about the room are called for in every case. Only from various angles and with the play of light and shadow does the actual painterly aspect reveal itself.
Jonas Maas combines rectangular modules to form a picture that uses spacers to hang in front of, rather than on, the wall. At the same time, clearances remain between the individual panels – picture and wall engage with each other.
Franziska Reinbothe goes one step further the moment the picture is about to be finished: She breaks or saws up the stretcher frame, folds or sews up the canvas and thus gives the picture a new, often sculptural form.
Sophie Innmann usually works location-specifically and makes space an integral component of her works. Contingency, the traces of human actions, and time are often determining factors of her works.
In all these works, genre boundaries are blurred; the surface – space – viewer relationship always plays a central role. And yet painterly issues are in the foreground.
Doris Erbacher, *1953, lives and works in Heidelberg and Mannheim. Erbacher studied from 1974-80 at the State Academy of Fine Arts Stuttgart, from 1986-91 she directed the Kunstraum Erbacher in Mannheim, and from 1992 until 2009 she lived as an artist and filmmaker in Berlin.
Martin Gerwers, *1963 lives and works in Düsseldorf. From 1984-89 Gerwers studied Visual Communication at the Aachen University of Applied Sciences and subsequently from 1989-93 at the Kunstakademie Düsseldorf. From 2015 until 2018 he held a visiting professorship at the Berlin University of the Arts.
Sophie Innmann, *1986 lives and works in Karlsruhe and everywhere in the world, since her works mostly arise in situ. From 2007 until 2014 she studied at the State Academy of Fine Arts Karlsruhe.
Jonas Maas, *1985 lives and works in Düsseldorf, 2010-14 studies at the Kunstakademie Düsseldorf.
Franziska Reinbothe, *1980 lives and works in Leipzig, from 2005 until 2013 she studied at the Academy of Fine Arts Leipzig.
GUIDED TOURS
Thursday, 29 October 2020, 6 p.m. with Konstantin Weber
Abbildung: DiamondProx Joscha Steffens
Mannheim Art Prize of the Heinrich Vetter Foundation 2020
Prize-winners’ Show featuring Joscha Steffens and Hannah Schemel
The Mannheim Art Prize of the Heinrich Vetter Foundation is the mark of support given by the City of Mannheim and the Heinrich Vetter Foundation to professional artists living and working in the metropolitan region. This year sees the eighth edition of the prize, which is awarded for photography and video.
The five-member jury of experts, comprised of Dr Sebastian Baden (Kunsthalle Mannheim), Carolin Ellwanger (Kulturamt Mannheim), Dr Heike Feldmann (Heinrich Vetter Foundation), Stefanie Kleinsorge (Port25 – Raum für Gegenwartskunst) and Thomas Schirmböck (Zephyr-Raum für Fotografie), emphasized the extraordinarily high quality of the numerous entries as well as the great diversity of artistic approaches. Following intense deliberations, Andrea Eßwein, Ruth Hutter, Emanuel Raab, Hannah Schemel, Peter Schlör, Miriam Stanke, Claus Stolz, Joscha Steffens and Felicitas von Lutzau entered the final round.
As was the case in 2018, the jury opted in favour of dividing the prize into a main prize and an advancement award. The main prize, endowed with 10,000 Euro, ultimately went to Joscha Steffens and the advancement award, endowed with 5,000 Euro, to Mannheim-based photographer Hannah Schemel.
Joscha Steffens (*1981) represents the jury’s choice of an artist who deals with forms of feigned and staged violence in digital and virtual realities and thematizes controversial phenomena of our present day. Joscha Steffens’s photographs and video works range between documentation and fiction.
Hannah Schemel (*1994) places great value on artisanship, materiality and reduction. Her procedure is strongly informed by her intense dealing with Japanese culture. Auratic photographs of a special quality are produced in an artisanally sophisticated manner using a refined mixed technique.
Mannheimer Kunstpreis
der Heinrich-Vetter-Stiftung
Joscha Steffens | Hannah Schemel
July 18, – August 30, 2020
Fotografie: Daniel Stier, Apple, 2018
Biennale für aktuelle Fotografie
Between Art and Commerce
February 29 — June 28, 2020
Hein Gorny, Maurice Scheltens & Liesbeth Abbenes, Bryan Schutmaat, Daniel Stier
Christopher Williams, Thomas Wunsch
While photography is an art form, it does not belong exclusively to the world of art. It plays significant roles in all aspects of life and culture, and it is inevitable that these will overlap, have relations to each other, and also be in tension with each other.
In many ways it was an acceptance of this complex relation between art and non-art that led to photography becoming fully modern in the 1920s and 30s. Photographers made images with ambiguity, understanding that they could mean different things in different contexts. Their work appeared in commercial settings and on the pages of avant-garde journals. Some photographers worked simultaneously in the fields of documentary, advertising, portraiture, fashion, scientific imaging, art and more.
Between Art and Commerce looks at this complex situation through the work of several photographers. Each takes a different position. Here you will find an artist who makes images that are then used commercially; commercial photographers who also make art exhibitions; a photographer whose personal and commercial work is indistinguishable; an artist who makes photographic art about commercial photography; and a forerunner of all this who worked in the 1920s and 30s.
HERE YOU GET TO OUR VIRTUAL TOUR
Caro Suerkaemper
Hundert < Tausend +
[100 unter 1000 Plus]
Second edition of the successful
sales exhibition in Port25
January 18, 2020 – February 16, 2020
Angelika Arendt, Simone Demandt, Andrea Esswein, Alexander Horn, Herbert A. Jung, Ingo Lehnhof, Gerd Lind, Margarete Lindau, Jonas Lundius, Eyal Pinkas, Caro Suerkemper, Konstantin Weber, Suse Wiegand
Buying art for everyone!
After the great success of the first edition, Port25 - Raum für Gegenwartskunst, otherwise known to be an exhibition house with a focus on curatorial aspects and mediation, is once again slipping into the role of a commercial gallery for a short time this year: We are explicitly offering selected artistic works for just under four weeks to buy!
Bilder des Wohnens
Roman Bezjak, Axel Grünewald, Eyal Pinkas,
Emanuel Raab, Marco Vedana & Suse Wiegand
October 12, 2019 — January 5, 2020
Eröffnung 11. Oktober 2019
Gefördert mit Mitteln der
und unterstützt durch
With the housing shortage currently under debate at the political level, “Bilder des Wohnens” presents aesthetic, philosophical, art-immanent and image-immanent references to architecture, space and living.
Axel Grünewald examines social and cultural spaces in the coastal regions of northern Morocco and southern Spain against the background of the migratory movements towards Europe. In his work “Bankett” he interprets architecture and topography as symbols of the transitory. Based on their architectonic heritage Roman Bezjakexplores the societal utopias of the 20th century and their status quo, in Tashkent, for example.
The vision of an ideal city with Soviet modernity in mind was realised there in the 1960s. “Luoghi tedeschi”, “German Places”, is the name given by Marco Vedana to an image series which he combines with a typology of German urban space.
Whereas Marco Vedana and Roman Bezjak highlight cultural characteristics via an analysis of architectonic form, Emanuel Raab deliberately separates the close-ups of buildings from their temporal, geographical and architectonic contexts. Dimensional relations, scale or spatial orientations are edited out. Eyal Pinkas also lifts the mundane out of its habitual context with his temporary room sculptures. Objects are subjected to astonishing variations both in terms of their design and through their position in the room. Suse Wiegand, in her delicate and simultaneously space-consuming installation, transforms the functions of objects into entirely new levels of meaning. After all, a sieve is more than just a sieve.
The exhibition is based on the research project by Bielefeld University of Applied Sciences on the topic, “Erkenntnisformen der Fotografie” with the interdisciplinary research project “Bilder des Wohnens. Architekturen im Bild” and is funded using resources from the Hypokulturstiftung.
BBC-Torbau Architekturfotografie
von K.W. Ochs
Eröffnung am 25. Juli 2019, um 19 Uhr
26.07. — 22.09.2019
Ungeborenen Elefanten ins Maul sehen – oder von der schönen Ordnung der Dinge
Angelika Arendt, Michael Bacht, Ulrich Bechtold, Daniel T. Braun, Simone Demandt, Benjamin Ditzen, Gisela Kleinlein, Laura Kuch, Gerardo Nolasco Magaña, Nicolas Reinhart, H+T Stegmayer & Caro Suerkemper
15. September bis 28. Oktober 2018
Eröffnung: Freitag, 14. September 2018, 19 Uhr
Am Beginn des modernen Kunstmuseums stand die Auflösung der fürstlichen Wunderkammer. Mit der Öffnung der einst privaten Sammlungen für ein Publikum ging eine Abkehr vom alten Stil des Sammelns einher: Die Bühne der Welt wurde in Raumfolgen nach Stilen und Schulen angeordnet, der gute Geschmack und die Werke der Bildenden Kunst kanonisiert. Die Neugierde auf Entdeckungen in Sammlungen von Münzen, Skulpturen, Versteinerungen, ausgestopften Tieren, gepressten Pflanzen, ethnographischen Rara und Rarissima machte dem Zwang zur normierten elitären bürgerlichen Bildung Platz.
Die Kunst des 20. Jahrhunderts entzog sich der durch die Disziplin der Kunstgeschichte definierten musealen Norm und produzierte Prozessuales, Immaterielles, Vergängliches und Außermuseales. Zurzeit erarbeiten Kunstmuseen digitale Strategien, während in der künstlerischen Praxis vielfach ein erneutes Interesse an Strukturen zu beobachten ist, die sich in der nichtdigitalen Welt abspielen. Die Begeisterung an langfristigen Beobachtungen, Experimenten und der aufwendigen Verarbeitung von Material steht dem rein Kuratorischen als Auswahl aus dem immer bereits digital Vorhandenen gegenüber. Die Ausstellung „Ungeborenen Elefanten ins Maul sehen oder von der schönen Ordnung der Dinge“ zeigt aktuelle künstlerische Positionen, die sich mit der Struktur und (Un)ordnung von Dingen befassen.
Angelehnt an alte Konzepte des Sammelns wird für die Ausstellungspräsentation eine Szenographie entwickelt, die die überbordende Vielfalt der künstlerischen Welt sichtbar machen soll.
Kirchner Hochtief
Evakuiert das Ich-Gebäude
Eröffnung am 11. Mai 2019
11.05. — 22.09.2019
Video: Götz Gramlich & Maxwell Hathaway
Kirchner Hochtief beschreibt zugleich die Band, das Künstlerkollektiv und das Wirtschaftsunternehmen um den Musiker David Julian Kirchner. Port25 – Raum für Gegenwartskunst präsentiert ihr Debutalbum „Evakuiert das Ich-Gebäude“ im Rahmen einer multimedialen Ausstellung.
Ist der Popmusiker nicht Künstler, sondern Dienstleister, stets produktives Produkt, immer in Perfektion, immer an der Oberfläche?
Auf der Suche nach der Kunst im Pop und der Kreativität in der Wirtschaft entwickelt David Julian Kirchner mit Kirchner Hochtief eine eigene künstleri- sche Form, die die Wechselwirkungen von Pop, Kunst und Kreativwirtschaft reflektiert. Das Debut-Album der Band Kirchner Hochtief erscheint dement- sprechend nicht nur als Tonträger. „Evakuiert das Ich-Gebäude“ analysiert vermarktungsrelevante Elemente erfolgreicher Musiker des Popbusiness, wie Videos, Artworks, Fotografien, Performances, Frisuren, Texte, Zeichen und Skandale und präsentiert diese jeweils als eigene künstlerische Form.
Über 100 Beteiligte versammeln sich um den Künstler David Julian Kirchner, der sich selbst als CEO des Weltkonzerns Kirchner Total und damit als Chef eines gigantischen Pop-Imperiums bezeichnet. Gemeinsam entwickeln sie eine Konsum-Utopie, die übliche Vermarktungsstrategien beschleunigt und überspitzt. So präsentiert die Ausstellung parallel zum Release des Albums bereits den Remix.
Karl Wilhelm Ochs (1896 bis 1988) hat als Chefarchitekt bei Brown, Boveri & Cie. (BBC) mehrere Bauphasen der Fabrik (oder der technischen Werksgebäude) begleitet und fotografisch dokumentiert. Seinen historischen Architekturfotografien aus den Jahren 1925 bis 1943 stehen aktuelle Aufnahmen des BBC-Torbaus von unterschiedlichen Fotografen gegenüber. Die vergleichende Schau zeigt, dass das imposante Gebäude trotz einiger Kriegsschäden und vieler Besitzerwechsel heute noch sehr gut und nahezu im ursprünglichen Zustand erhalten ist. Wird es gelingen, die historisch interessanten Gebäude mit dem Torbau als Gesamtensemble unter Denkmalschutz zu stellen und so für die Zukunft zu erhalten?
Veranstaltet von dem Rhein-Neckar-Industriekultur e.V. und der IG Metall Mannheim. Unterstützt durch die Mannheimer Bau- und Architekturarchiv MAB
In.Substance
25. Mai bis 14. Juli 2019
Carolin Wanitzek & Dennis Adelmann
Carolin Wanitzek und Dennis Adelmann haben 2015 das im Jungbusch ansässige Designstudio OUI R gegründet. Die Arbeit im Studio vereint die Expertise eines nationalen und internationalen Netzwerks von Designern und Entwicklern. OUI R ist in den Bereichen Kultur, Mode, Architektur und anderen Branchen tätig.
Gemeinsam entwickelteten die beiden über zweieinhalb Jahre hinweg zeitgenössische Möbel, eine Marke, die Atmosphäre schaffen und in einfachen Formen den Räumlichkeiten große Bedeutung verschaffen möchte. Konzentriert auf Entwicklung und Funktion von Objekten, die ausschließlich in Deutschland entworfen und produziert wurden, freuen wir uns am 24. Mai ab 19 Uhr IN SUBSTANCE in Port25 - Raum für Gegenwartskunst zu präsentieren.
Als Set Designerin und Szenografin liegt Carolin Wanitzek‘s Stärke darin, im Raum zu denken. Sie entwickelt visuelleKonzepte und Installationen für Schaufenster, Museen und Innenräume. Dennis Adelmann übernimmt den digitalen Teil und das Branding und fusioniert oft das Digitale mit dem Analogen.
Gemeinsam entwickeln sie Strategien und Konzepte und arbeiten an eigenen Produkten wie der Marke In Substance.Mit In Substance entwerfen sie zeitgenössische Möbel, schaffen Atmosphären und verleihen einfachen Formen eine große Bedeutung im Raum.
Die Künstlernachlässe Mannheim
präsentieren
Walter Stallwitz
eine filmische Dokumentation
11. Mai bis 23. Juni 2019
Seit mehr als 60 Jahren begleitet und bereichert Walter Stallwitz (*1929) das Kulturleben der Stadt Mannheim und der Region.
Auch wenn für ihn persönlich der 90. Geburtstag kein großer Anlass zum Feiern ist und er wenig Wert auf Würdigungen legt, haben die Künstlernachlässe Mannheim in Kooperation mit dem Kulturamt der Stadt Mannheim eine filmische Bestandsaufnahme in Auftrag gegeben, die einen Eindruck über sein Wirken in Mannheim vermittelt. Port25 ist eine von vier Mannheimer Institutionen, in denen der Film von Frühjahr bis Herbst 2020 zu sehen sein wird.
Nachfolgende Stationen
24. Juni bis 5. Juli 2019
Tulla-Realschule, Tullastr. 25, Mannheim
11. Juli bis 14. Juli 2019
Freie Kunstakademie Mannheim, U 3,1, Mannheim
29. Juli bis 16. August 2019
Rathaus Stadt Mannheim, E 5, Mannheim
20. September bis 11.Oktober 2019
Mannheimer Abendakademie und Volkshochschule, U 1, 16–19, Mannheim
Ana Laibach
& Amadeus Certa
Die Preisträger des Mannheimer
Kunstpreises der Heinrich-Vetter-Stiftung
präsentieren: Wenn Tiger schießen lernen
27. Januar bis 22. April 2019
Eröffnung Samstag, 26. Januar 2019 um 19 Uhr
Es sprachen:
Bürgermeister Michael Grötsch
Prof. Dr. Peter Frankenberg
Stefanie Kleinsorge
Mit dem zum siebten Mal verliehenen Mannheimer Kunstpreis der Heinrich-Vetter-Stiftung unterstützen die Stadt und die Stiftung professionelle Künstler*innen mit einem Bezug zu Mannheim und der Region. Durch die Vergabe des aktuellen Preises im Bereich Malerei/Zeichnung an Ana Laibach und Amadeus Certa wurde sowohl die Arbeit einer etablierten Künstlerin als auch diejenige eines bereits vielbeachteten jungen Künstlers gewürdigt. Gemeinsam präsentieren sie ihre Arbeiten unter dem Titel „Wenn Tiger schießen lernen“ in Port25 – Raum für Gegenwartskunst.
Ana Laibach setzt sich in ihren Gemälden, Zeichnungen, Drucken und Keramiken mit unserer Lebenswelt auseinander. Jenseits des Abbildhaften erschafft sie eine sehr ausdifferenzierte künstlerische Welt, die einen poetischen Zugang zur realen Welt offenhält. Bewusst und oftmals auch augenzwinkernd beschreitet sie diesen künstlerischen Umweg, um zu sortieren, was sich nicht umstandslos begreifen oder ertragen lässt. Auch der eine Generation jüngere Amadeus Certa arbeitet figurativ. Er bedient sich klassischer Genres und Motive, um traditionelle Perspektiven und Raumwahrnehmungen der Malerei aufzubrechen und eine eigene Welt zu schaffen, in der das Zusammenspiel von Figur und Form sowie Linie und Fläche immer wieder verschiedene Gewichtungen erfährt.
Ana Laibach (*1966 in Braunschweig) studierte Kulturwissenschaften und ästhetische Kommunikation an der Universität Hildesheim, sowie Malerei an der Staatlichen Kunstakademie Karlsruhe als Meisterschülerin von Prof. Max Kaminski. Sie lehrt als künstlerische Mitarbeiterin an der Universität Landau-Koblenz.
Amadeus Certa (* 1992 in Mannheim) hat das Studium der Malerei und Graphik 2016 an der Kunstakademie Düsseldorf mit Auszeichnung abgeschlossen und ist Meisterschüler von Prof. Siegfried Anzinger.
Considering Finland
10. November 2018 bis 13. Januar 2019
Kenneth Bamberg, Elina Brotherus, Ilkka Halso,
Riitta Ikonen & Karoline Hjorth, Jaakko Kahilaniemi,
Tellervo Kalleinen & Oliv