Crisis? What Crisis? 

Positionen of Expanded Painting 

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Doris Erbacher, Martin Gerwers, Sophie Innmann, Jonas Maas, Franziska Reinbothe
September 19 – November​ 08, 2020

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Painting’s crisis is evoked by critics and curator with reliable regularity. Amid all this, artists simply continue to paint; no trace of any crisis.

That being said, the boundaries of the conventional canvas were overstepped long ago – painting reaches out into the room, it becomes an object, an installation, a released colour. Not even a brush is necessarily needed, for after all, every material has a colour and structure already, painterly values, therefore. In the exhibition, artistic positions are on show that pursue abstract or objectless approaches and probe the space using different strategies.

Doris Erbacher, like Martin Gerwers, sounds out the relationship between colour, shape, light and space. Both occasionally convey their picture carrier into three-dimensional sculpture, and viewers actively moving about the room are called for in every case. Only from various angles and with the play of light and shadow does the actual painterly aspect reveal itself.

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Jonas Maas combines rectangular modules to form a picture that uses spacers to hang in front of, rather than on, the wall. At the same time, clearances remain between the individual panels – picture and wall engage with each other.

Franziska Reinbothe goes one step further the moment the picture is about to be finished: She breaks or saws up the stretcher frame, folds or sews up the canvas and thus gives the picture a new, often sculptural form.

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Sophie Innmann usually works location-specifically and makes space an integral component of her works. Contingency, the traces of human actions, and time are often determining factors of her works.

In all these works, genre boundaries are blurred; the surface – space – viewer relationship always plays a central role. And yet painterly issues are in the foreground.

Doris Erbacher, *1953, lives and works in Heidelberg and Mannheim. Erbacher studied from 1974-80 at the State Academy of Fine Arts Stuttgart, from 1986-91 she directed the Kunstraum Erbacher in Mannheim, and from 1992 until 2009 she lived as an artist and filmmaker in Berlin.

Martin Gerwers, *1963 lives and works in Düsseldorf. From 1984-89 Gerwers studied Visual Communication at the Aachen University of Applied Sciences and subsequently from 1989-93 at the Kunstakademie Düsseldorf. From 2015 until 2018 he held a visiting professorship at the Berlin University of the Arts.

Sophie Innmann, *1986 lives and works in Karlsruhe and everywhere in the world, since her works mostly arise in situ. From 2007 until 2014 she studied at the State Academy of Fine Arts Karlsruhe.

Jonas Maas, *1985 lives and works in Düsseldorf, 2010-14 studies at the Kunstakademie Düsseldorf.

Franziska Reinbothe, *1980 lives and works in Leipzig, from 2005 until 2013 she studied at the Academy of Fine Arts Leipzig.

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GUIDED TOURS

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Thursday, 29 October 2020, 6 p.m. with Konstantin Weber

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Am Beginn des modernen Kunstmuseums stand die Auflösung der fürstlichen Wunderkammer. Mit der Öffnung der einst privaten Sammlungen für ein Publikum ging eine Abkehr vom alten Stil des Sammelns einher: Die Bühne der Welt wurde in Raumfolgen nach Stilen und Schulen angeordnet, der gute Geschmack und die Werke der Bildenden Kunst kanonisiert. Die Neugierde auf Entdeckungen in Sammlungen von Münzen, Skulpturen, Versteinerungen, ausgestopften Tieren, gepressten Pflanzen, ethnographischen Rara und Rarissima machte dem Zwang zur normierten elitären bürgerlichen Bildung Platz.

Die Kunst des 20. Jahrhunderts entzog sich der durch die Disziplin der Kunstgeschichte definierten musealen Norm und produzierte Prozessuales, Immaterielles, Vergängliches und Außermuseales. Zurzeit erarbeiten Kunstmuseen digitale Strategien, während in der künstlerischen Praxis vielfach ein erneutes Interesse an Strukturen zu beobachten ist, die sich in der nichtdigitalen Welt abspielen. Die Begeisterung an langfristigen Beobachtungen, Experimenten und der aufwendigen Verarbeitung von Material steht dem rein Kuratorischen als Auswahl aus dem immer bereits digital Vorhandenen gegenüber. Die Ausstellung „Ungeborenen Elefanten ins Maul sehen oder von der schönen Ordnung der Dinge“ zeigt aktuelle künstlerische Positionen, die sich mit der Struktur und (Un)ordnung von Dingen befassen.

Angelehnt an alte Konzepte des Sammelns wird für die Ausstellungspräsentation eine Szenographie entwickelt, die die überbordende Vielfalt der künstlerischen Welt sichtbar machen soll.

Seit mehr als 60 Jahren begleitet und bereichert Walter Stallwitz (*1929) das Kulturleben der Stadt Mannheim und der Region. 

Auch wenn für ihn persönlich der 90. Geburtstag kein großer Anlass zum Feiern ist und er wenig Wert auf Würdigungen legt, haben die Künstlernachlässe Mannheim in Kooperation mit dem Kulturamt der Stadt Mannheim eine filmische Bestandsaufnahme in Auftrag gegeben, die einen Eindruck über sein Wirken in Mannheim vermittelt. Port25 ist eine von vier Mannheimer Institutionen, in denen der Film von Frühjahr bis Herbst 2020 zu sehen sein wird.

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Nachfolgende Stationen

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24. Juni bis 5. Juli 2019
Tulla-Realschule, Tullastr. 25, Mannheim

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11. Juli bis 14. Juli 2019
Freie Kunstakademie Mannheim, U 3,1, Mannheim

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29. Juli bis 16. August 2019
Rathaus Stadt Mannheim, E 5, Mannheim 

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20. September bis 11.Oktober 2019
Mannheimer Abendakademie und Volkshochschule, U 1, 16–19, Mannheim

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Mit dem zum siebten Mal verliehenen Mannheimer Kunstpreis der Heinrich-Vetter-Stiftung unterstützen die Stadt und die Stiftung professionelle Künstler*innen mit einem Bezug zu Mannheim und der Region. Durch die Vergabe des aktuellen Preises im Bereich Malerei/Zeichnung an Ana Laibach und Amadeus Certa wurde sowohl die Arbeit einer etablierten Künstlerin als auch diejenige eines bereits vielbeachteten jungen Künstlers gewürdigt. Gemeinsam präsentieren sie ihre Arbeiten unter dem Titel „Wenn Tiger schießen lernen“ in Port25 – Raum für Gegenwartskunst.

Ana Laibach setzt sich in ihren Gemälden, Zeichnungen, Drucken und Keramiken mit unserer Lebenswelt auseinander. Jenseits des Abbildhaften erschafft sie eine sehr ausdifferenzierte künstlerische Welt, die einen poetischen Zugang zur realen Welt offenhält. Bewusst und oftmals auch augenzwinkernd beschreitet sie diesen künstlerischen Umweg, um zu sortieren, was sich nicht umstandslos begreifen oder ertragen lässt. Auch der eine Generation jüngere Amadeus Certa arbeitet figurativ. Er bedient sich klassischer Genres und Motive, um traditionelle Perspektiven und Raumwahrnehmungen der Malerei aufzubrechen und eine eigene Welt zu schaffen, in der das Zusammenspiel von Figur und Form sowie Linie und Fläche immer wieder verschiedene Gewichtungen erfährt.

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Ana Laibach (*1966 in Braunschweig) studierte Kulturwissenschaften und ästhetische Kommunikation an der Universität Hildesheim, sowie Malerei an der Staatlichen Kunstakademie Karlsruhe als Meisterschülerin von Prof. Max Kaminski. Sie lehrt als künstlerische Mitarbeiterin an der Universität Landau-Koblenz.

Amadeus Certa (* 1992 in Mannheim) hat das Studium der Malerei und Graphik 2016 an der Kunstakademie Düsseldorf mit Auszeichnung abgeschlossen und ist Meisterschüler von Prof. Siegfried Anzinger. 

Die beiden diesseits und jenseits des Rheins liegenden Ausstellungshäuser für zeitgenössische Kunst, der Kunstverein Ludwigshafen und Port25 – Raum für Gegenwartskunst, präsentieren ein gemeinsames Ausstellungsprojekt mit aktueller Kunst aus Finnland. Mit 14 künstlerischen Positionen aus den Bereichen Fotografie, Video und Installation bieten sie einen Einblick in die Kunstszene Finnlands. Die Vielfalt möglicher Themen und Fragestellungen wurde auf zwei Themenkomplexe verdichtet, die den inhaltlichen Rahmen der jeweiligen Präsentation beschreiben: jeder Ausstellungsort fokussiert auf ein Feld.

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Die Ausstellung im Kunstverein Ludwigshafen setzt sich aus unterschiedlichen Perspektiven mit dem Verhältnis von Mensch und Natur auseinander. Es ist für die aus dem bevölkerungsarmen und waldreichsten Land Europas stammenden Künstlerinnen und Künstler ein naheliegendes Sujet. Ihr Blick geht jedoch über das an Seen, Flora und Fauna reiche Land hinaus und stellt die Beziehung zwischen Mensch und Natur in einen globalen Kontext her. Die Ausstellung in Port25 – Raum für Gegenwartskunst verweigert sich bewusst dem Thema der Natur und richtet den Blick auf den Menschen in seinem politischen, ökonomischen, sozialen und sexuellen Umfeld. Die künstlerischen Positionen deuten auf kulturelle Dispositionen und Normierungen des Individuums innerhalb einer Gesellschaft, die auf nicht erreichbaren Maximen, wie permanentem Erfolg, dauerhafter Anerkennung und grenzenlosem Wachstum basiert.

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Bildliche Traditionen, geographische Strukturen oder sozio-politische und infrastrukturelle Faktoren sind die Basis einer gedanklichen Konstruktion, die künstlerisches Schaffen unter einem nationalen Aspekt zusammenfasst. Mittels einer Perspektive, die sich dieser Traditionen und Faktoren teilweise bedient, die jedoch Klischees entweder ironisch bricht oder den Blick weit über die nationalen Grenzen hinaus auf eine globalisierte Gesellschaft richtet, möchten die Ausstellungen hiesige Perspektiven erweitern und einen Beitrag zum deutsch-finnischen Kulturdialog leisten.

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Zur Ausstellung erscheint ein Katalog in der Edition Cantz zum Preis von 14 €.

Vom 9. - 25. November findet in Mannheim, Ludwigshafen und Heidelberg das Festival Kultur aus Finnland statt.

In Kooperation mit den Künstlernachlässen Mannheim und dem Zentrum für Künstlerpublikationen in der Weserburg-Museum für moderne Kunst, Bremen

Die Ausstellung verbindet eine retrospektive Sicht auf die Künstlerbücher Will Sohls (1906 – 1969) mit einem Blick auf unsere Gegenwart. Hierzu wurden in einem Open Call KünstlerInnen gesucht, die auf der Basis der Künstlerbücher Sohls eine eigene künstlerische Recherche initiierten. Der Call war in Bezug auf Format, Medium und Präsentationsform ergebnisoffen.

Einerseits wird dem Werk des in Ludwigshafen am Rhein geborenen Künstlers Will Sohl, der bis 1936 in Mannheim lebt und dem der ortsansässige Kunstverein 1928 die erste Ausstellung ausrichtet, mit der Ausstellung und der zur Ausstellung erscheinenden Publikation erneut Aufmerksamkeit gewährt. Andererseits werden Verbindungen zu den gegenwärtigen Möglichkeiten des Mediums Künstlerbuch aufgezeigt und eine unmittelbare Beziehung zwischen den unterschiedlichen künstlerischen Strategien und Haltungen ermöglicht.

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Die Ausstellung wird vom Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst des Landes Baden-Württemberg gefördert. ​

Ana Laibach (*1966 in Braunschweig) zeichnet in ihren Radiotagebüchern Lüm, Pum, Rastplatz und Anatol, stoffgewordene Figuren aus dem Kinderzimmer, und setzt sie in Beziehung zu Themen und Textfragmenten aus den tagesaktuellen Nachrichten. Felix Wargalla (*1990 in Köln)entwickelt in seinen Buchobjekten fantastische Erzählungen in denen sich Text und Grafik auf hintergründige Weise miteinander verschränken. 

Die Ausstellung zeigt künstlerische Konversionsprozesse, die ihren Ausgangspunkt in den ehemaligen US-amerikanischen Kasernen-flächen in Mannheim nehmen. Während der letzten fünf Jahre nutzt der Bildhauer Philipp Morlock die entstandenen Leerstände auf den Turley und Taylor Barracks sowie aktuell auf dem ehe-maligen Wohngelände der US-Armee, dem Benjamin Franklin Village, als Atelierflächen. Die besondere Atmosphäre der Umwandlung, die von diesen Arealen ausgeht und die Hinterlassen-schaften der Amerikaner haben sich in Philipp Morlocks Arbeit verdichtet.

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Aus dem vorgefundenen Material erschafft der Künstler neue Formationen. So werden für das Ausstellungsprojekt Halleneinbauten von Soldaten dekontextualisiert und in dem Ausstellungssetting außerhalb des ehemaligen Kasernengeländes zu einer begehbaren Installation aufgebaut: Wandelemente werden zerlegt, neu zusammengefügt und ausgerichtet bis ein neuer begehbarer Ort entsteht.

Die Nutzung der ehemaligen Kasernenareale durch die US-Armee gehört bereits der Vergangenheit an, während der Einzug der neuen Stadtteilbewohner in die gerade entstehenden Siedlungen noch bevorsteht. Die daraus hervorgehende besondere Atmosphäre der Konversion ist einzigartig und in ihrer Zeitlichkeit begrenzt. Der Künstler greift in den Konversionsprozess ein, arbeitet mit dem Zerfall und bietet ein temporäres Gegenmodell.

Das “out of...” kann somit umso mehr in ein “into...” weitergeführt werden.

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Im Mittelpunkt der Ausstellung des Münchner Multimedia Labels Public Possession steht die Präsentation des neuen Katalogs mit einer Übersicht über die bisherigen Artworks, Party Flyer und Poster. Hierfür verändern die beiden Gründer von PP, Valentino Betz und Marvin Schuhmann das Foyer von Port25 – Raum für Gegenwartskunst durch atmosphärische Eingriffe und manifestieren so eine Verbindung zwischen Kunst- und Clubszene. Ein interdisziplinärer Ansatz ist die Grundlage der künstlerischen Praxis von PP, seit sich Betz und Schuhmann im Jahr 2012 zusammengefunden haben, um ihre weitreichenden Interessen von Musik, Text und Grafik Design bis zur bildenden Kunst zusammenzuführen. Mit dem hauseigenen Recordlabel und dem Public Possession Shop verfügen sie über eine Präsentationsplattform, auf der sie mit internationalen Künstlern verschiedener Sparten zusammenarbeiten. Die Hörstation im Foyer von Port25 wird einen akustischen Eindruck ihrer Arbeit vermitteln.

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In Kooperation mit Jetztmusik Festival

Über mehrere Monate hinweg fotografierte Mirko Müller die Besucher*innen im Kontaktladen „Kompass“ des Drogenvereins Mannheim. Die Ausstellung zeigt eindrucksvolle Porträts von Menschen, deren Leben im schnellen Wechsel von Hoffnung, Mut, Angst, Trauer und Verlust stattfindet.

Im Rahmen einer Studienarbeit zum Thema „Hoffnung“ begegnet der Fotograf Mirko Müller dem Sozialarbeiter Jonas Gieske, der im Kontaktladen des Drogenvereins Mannheim arbeitet. Aus der Diskussion ihrer jeweiligen professionellen Perspektive und Expertise entwickeln Gieske und Müller das Projekt „Über kurz oder lang“.

Hinter jedem fotografischen Porträt verbirgt sich eine vielschichtige Erzählung. Ein komprimierter Mitschnitt der Gespräche, die Mirko Müller geführt hat, gibt dem Betrachter die Möglichkeit über die autobiographischen Narrative Konkretes über das Erleben und die Lebenszusammenhänge von Menschen zu erfahren, denen üblicherweise wenig Aufmerksamkeit geschenkt wird, da sie sozial ausgegrenzt, d.h. von der Mehrheitsgesellschaft zumeist ganz bewusst nicht gehört und nicht gesehen werden.

Ziel der Ausstellung in Port25 – Raum für Gegenwartskunst ist es den Porträts und damit den Porträtierten Raum zu bieten. Damit fokussiert sie ebenso auf die künstlerische Qualität des Projektes. Mirko Müller hat beeindruckende Bildnisse von Menschen unterschiedlicher Herkunft und Ethnien geschaffen. Im Dreiviertelprofil oder en face konfrontieren sie den Besucher in überlebensgroßen Schwarzweißfotografien unmittelbar mit ihrer Existenz. 

Kunstkauf ist kein Privileg der Reichen! Zum Jahreswechsel bietet Port25 – Raum für Gegenwarts-kunst Originalkunstwerke und Editionen zum Kauf an. Den damit verbundenen Rollenwechsel vom Ausstellungshaus für Gegenwartskunst mit einem Fokus auf das Kuratorische zum kommerziellen Galeriebetrieb nehmen wir als Herausforderung gerne an, um unsere eigene Position im Kunst-betrieb kritisch zu hinterfragen.

Wer sich für ein Kunstwerk begeistert, lässt sich meist von einer Leidenschaft leiten, die gelegentlich zum Impuls der Begehrlichkeit führt. Mit dem Erwerb des Ersehnten wiederum entscheidet man sich für eine langjährige und anregende Beziehung, aus der nicht selten neues Wissen und unverhoffte Erkenntnisse folgen. Indem man sich in die erworbene Arbeit vertieft eignet man sich nach und nach weitere Kenntnisse an und stellt Bezüge her – zu anderen Arbeiten des jeweiligen Künstlers, zu seinen Zeitgenossen und gegebenenfalls zu philosophischen oder gesellschaftlichen Fragestellungen. Vielleicht entsteht aus diesem Interesse heraus sogar eine Sammlung? 

Wir teilen Ihre Begeisterung für aktuelle Kunst und haben Arbeiten von hoher Qualität ausge-wählt, die das oben beschriebene Beziehungspotenzial haben. Präsentiert werden Werke von Künstlern, die dem Haus in besonderer Weise verbunden sind und zumeist bereits hier ausgestellt haben.

Gute Kunst gibt es in allen Preisklassen – wir offerieren 100 Kunstwerke für jeweils maximal 990 Euro. Durch die Verkaufsausstellung fördert Port25 die teilnehmenden Künstler auf direkte Weise: 90 Prozent des Erlöses gehen unmittelbar an den jeweiligen Künstler.

Der Zweite Weltkrieg – der Syrienkrieg – Flucht und Vertreibung: das Projekt „Maikäfer flieg“ will den universellen und diachronen Charakter von Leid, Verlust und Überlebenswillen, die durch Krieg und Flucht verursacht werden, einfangen und präsentieren. Dafür verbinden sich historische Quellen mit aktuellen Zeugnissen, das gesprochene Wort, Musik und visuelle Impulse, um Erfahrungen und Innenwelten von Geflüchteten sichtbar und nachfühlbar zu machen.

Ausstellungsorte

I Erzählungen und Landkarten   

  Orientalische Musikakademie Mannheim

II Dokumente und Flug         

   Gemeinschaftszentrum Jungbusch, Laboratorio17

III Stadt Geschichte           

    Port25 - Raum für Gegenwartskunst

Weitere Informationen auf der Website des Projekts: www.maikaefer-projekt.de

Baerwind-Preis 2017 geht an Fritz Stier

Auszeichnung wird im Port25 verliehen

Kunst bedeutet Aktion – und Arbeit. Wer wüsste das besser als Fritz Stier, der seit Jahrzehnten unermüdlich neue Projekte entwickelt und vieles auf einmal ist: Kurator und Künstler, Impulsgeber und Initiator von Ausstellungen und Initiativen. Das würdigt die Rudi-Baerwind-Stiftung nun mit ihrem Kunstpreis, den sie alle vier Jahre an herausragende Kulturschaffende der Rhein-Neckar-Region vergibt.

Dotiert ist die Auszeichnung, die am Freitag, 06. Oktober, um 19 Uhr im Port25 – Raum für Gegenwartskunst vergeben wird, mit 5000 Euro. Im Rahmen der Preisverleihung zeigt Stier eine Arbeit aus seinem vielfältigen Schaffen: Das Werk „con torso“ ist eine fünfteilige Videoinstallation, für die er eine Schlangenfrau des russischen Staatszirkus mit einer Highspeedkamera gefilmt und auf Stahlplatten projiziert hat. Der Effekt ist verblüffend und exemplarisch für sein Werk: Stiers Videoarbeiten umkreisen oft Extreme des Körpers, sie thematisieren Existenzielles, aber auch den Aspekt der Zeit.

Foto: con torso, 5-Kanal-Videoinstallation, 2014. Detail.

© Fritz Stier

Die Berliner Künstlerin Antoanetta Marinov lädt mit ihrem Projekt „Give & Take Art” KünstlerInnen dazu ein, Kunstwerke zu verschenken. Interessierte Künstler sind eigeladen sich an dem Projekt zu beteiligen und ein oder mehrere signierte Werke, die sie verschenken möchten, im Regal zu platzieren. Andere Künstler sowie die Besucher können diese dann wiederum entnehmen, wobei der Prozess des Gebens und Nehmens schriftlich dokumentiert wird. Vom 18. April bis 16. Juli steht das Regal im Mannheimer Kunstvereins und wird dann an weitere Mannheimer Kunstorte reisen: zeitraumexit und Kunsthalle Mannheim.

Im Rahmen der Eröffnungsveranstaltung kommen drei Filmerinnen mit den GIRLS GO MOVIE Fachfrauen Ruth Hutter (Künstlerische Leitung) und Dr. Kathrin Lämmle (Projektmanagement & Leitung) ins Gespräch. Das Interview wird live und vor Publikum vom OK-TV Ludwigshafen aufgezeichnet.

Anwesende Filmerinnen im Gespräch:

Lisa Zielke – „Mach Sauber – Guaia Guaia“

Evelina Winkler – „Betonblüten“

Simone Rduch – „Away“

Veranstaltet von:

Filmbüro Mannheim (Stadtjugendring Mannheim e.V. – FORUM / Stadt Mannheim – FB Kinder, Jugend und Familie – Jugendförderung) & PORT25 – Raum für Gegenwartskunst Mannheim

Unterstützt durch:

Landesanstalt für Kommunikation Baden-Württemberg (LFK)

Stiftung MedienKompetenz Forum Südwest (MKFS) 

Filmförderung Baden-Württemberg (MFG), Kindermedienland

OK-TV Ludwigshafen

Arnold & Lang 

Link zur Website: hier.

Foto: Toni Montana Studios©

In der Ausstellung „Common Cause“ wird erstmalig ein Überblick über die gemeinsamen Projekte der beiden Künstlerinnen Simone Demandt und Margret Eicher gegeben. Im Zentrum steht die Entwicklung der aktuellen Produktion „Planet Museum“. Mit „Planet Museum“ richten die Künstlerinnen ihren Blick erneut auf die vielfältige Präsentation und Vermittlung von aktueller Kunst, diesmal idealerweise weltweit. „Planet Museum“ geht aus einem Projektvorschlag der Künstlerinnen für die documenta 11 hervor und initiiert in seiner aktualisierten Form eine global wirksame, medienbasierte Reise zur gegenwärtig praktizierten Auswahl und Präsentation von bildender Kunst. Demandt und Eicher formen aus dem Material filmischer Selbstdarstellungen von Kunsträumen bzw. von deren Kuratoren einen neuen hybriden Kunstraum: das „Planet Museum“. Antrieb für dieses Projekt ist die Neugier auf die globalen Veränderungen innerhalb des Kulturbetriebs. 

Link zur Homepage des Planet Museums hier.

Den Arbeiten der beiden Künstlerinnen gemein ist der Bezug zur Präsenz und Macht des Bildes als Vermittler von Werten, Idealen oder Ansichten. Eicher und Demandt verbinden ihre Arbeitsweisen bereits seit dem Jahr 2000 durch gemeinsame Projekte. Beispielsweise forderten sie in der Staatsgalerie Stuttgart sowie im Stadtraum Stuttgart mit dem Projekt „Sehen Sie! Sehen Sie?“ zum genauen Hinsehen und zum Reflektieren des Gesehenen und zu Sehenden auf. Ihre künstlerische Intervention „let me be your supervisor“ verknüpfte im Jahr 2015 das aktuelle Thema der permanenten Überwachung mit der Frage nach den Machtverhältnissen innerhalb des Kunstbetriebes. Die Videoinstallation zeigte die voyeuristische Einsichtnahme in das persönliche Arbeitsfeld von Kuratoren und Kuratorinnen und hinterfragt ihre Funktion bei der Wertung künstlerischer Positionen. Neben der retrospektiven Sicht auf die künstlerische Kollaboration deutet „Common Cause“ auf die jeweils eigene künstlerische Haltung von Demandt oder Eicher, indem beispielhaft Arbeiten aus einer ihrer aktuellen Werkgruppen gezeigt werden.

Foto: Ausstellungsansicht fotografiert von Simone Demandt

Mit freundlicher Unterstützung von

Fischer Architekten Mannheim/Köln/Berlin/Dubai und Alfred Ritter GmbH & Co. KG:

Die Fotografien des in Japan geborenen Seiichi Furuya verweisen stets auf das Verhältnis von individueller und politischer Geschichte und berühren so unser Verständnis von Zeitgenossenschaft und Erinnerung. Mit seinen sehr persönlichen Aufnahmen, die er bis heute in vielzähligen, immer wieder aufs Neue editierten Fotobüchern publiziert, ordnet er private und öffentliche Vergangenheit. Der Rückblick erfolgt mit zunehmender Distanz auf das Erlebte und Gesehene. Aus der zuletzt getroffenen 44-teiligen Auswahl „Gravitation“, die bereits in den Technischen Sammlungen Dresden und kürzlich in der Galerie Thomas Fischer, Berlin, zu sehen war, zeigt Port25 – Raum für Gegenwartskunst anlässlich der OFF//FOTO eine Zusammenstellung von 13 Fotografien, die zwischen 1983 und 1994 entstanden sind. 

Die OFF//FOTO fungiert als flexible künstlerische Plattform für Fotografie in der Metropolregion. In der diesjährigen zweiten Ausgabe zeigen 51 Ausstellungsorte neue fotografische Positionen und etablieren die OFF//FOTO damit als weiteres Format für zeitgenössische Fotografie an Rhein und Neckar. 

Mit Dank für die Zusammenarbeit an die Galerie Thomas Fischer, Berlin. 

Zeit ist ein nur schwer beschreibbares Phänomen, von welchem jedoch eine große Faszination ausgeht – ein Rätsel, ein Paradoxon, die Grundlage allen Seins. Im sprachlichen Gebrauch operieren wir mit dem Begriff Zeit, zumeist ohne genauer darüber nachzudenken, was Zeit im eigentlichen Sinn bedeutet. Im Unterschied zu den für einen Laien nur schwer verständlichen wissenschaftlichen Analysen von Zeit, bietet die bildende Kunst einen eigenen Zugang zu diesem Thema, indem sie sinnlich und ästhetisch nachvollziehbar macht, was sich hinter dem Begriff Zeit verbergen kann. Zahlreiche Künstlerinnen und Künstler der Gegenwart befassen sich auf vielfältige Weise mit dem komplexen Thema. Über die Erzeugung langlebiger ästhetischer Objekte hinaus haben die Handlung sowie der Prozess in ihrer jeweiligen künstlerischen Praxis an Bedeutung gewonnen. Der Blick durch die Kunst auf die Zeit ermöglicht uns nicht zuletzt eine Atempause von der Beschleunigung, der wir im Alltag ausgesetzt sind. Diese Pause bietet eine Alternative zur üblichen Methode, Zeitknappheit durch Beschleunigung zu kontrollieren und dadurch das Bewusstsein unserer eigenen Zeitlichkeit zu verdrängen. 

An der Ausstellung nehmen Künstlerinnen und Künstler verschiedener Generationen und mit unterschiedlichen künstlerischen Praxen teil. Sie richten den Blick auf ein komplexes Thema, das die Wahrnehmung für das Verstreichen von Zeit ins Zentrum ihrer künstlerischen Produktion stellt.

Teilnehmende Künstlerinnen und Künstler:

Siegfried Anzinger, Collaboration_Patrycja German / Holger Endres, Claudia Desgranges, Peter Dreher, Byung Chul Kim, Karin Hoerler, Herlinde Koelbl, Jürgen Krause, Ae Hee Lee, Pia Linz, Oscar Muñoz, Jens Risch, Jan Schmidt, Claus Stolz, Konstantin Voit.

In Kooperation mit dem Kunstverein Ludwigshafen.

Mit freundlicher Unterstützung von:

Die Ausstellung FORMSCHAU präsentiert die 12 Nominierungen aus insgesamt 72 Einreichungen für den ersten UNCOVER Designpreis der Stadt Mannheim, der am 9. Juli 2016 in vier Kategorien vergeben wird. Ausgewählt wurden Positionen, die Momente, Vorstellungen und Konstruktionen von Gastlichkeit in den Blick nehmen und anhand von Objekten, Produkten, Installationen und Initiativen zur Diskussion stellen.

Design ist nicht allein die Gestaltung unserer Umgebung nach ästhetischen oder ökonomischen Kriterien, es wirkt vielmehr als heterogenes Netzwerk aus Dingen und zwischenmenschlichen Beziehungen, das Zusammenleben und Handlungsweisen strukturiert. Aus dieser Perspektive zeichnet der UNCOVER Designpreis Postionen aus, die unsere Gegenwart kritisch analysieren und das Verständnis von Technologie, Gesellschaft und Gestaltung thematisieren. Der Wettbewerb des ersten UNCOVER Designpreises findet unter dem Stichwort „Gastlichkeit“ statt. Gerade weil gegenwärtig in Europa auch Ungastlichkeitserfahrungen gemacht werden, erscheint es dringlich, die kulturellen Praktiken der Gastlichkeit in Bezug auf ethische, juristische, soziale, politische und ökonomische Faktoren gestaltend zu reflektieren. 

Die Ausstellung FORMSCHAU ist Teil des neuen - alle zwei Jahre stattfindenden - Designfestes UNCOVER MANNHEIM, das aus der im Jahr 2012 erstmals statt gefundenen FORMSCHAU hervorgeht und im Wesentlichen aus zwei Elementen besteht: Zum einen findet ein Fachkongress für DesignerInnen statt, in dem in Vorträgen, Workshops und Symposien über die zukünftige Entwicklung der Branche diskutiert, Wissen vermittelt und Erfahrung ausgetauscht wird. Zum anderen wird der Öffentlichkeit eine Reihe von Präsentationsformaten gezeigt, in deren Zentrum die Ausstellung FORMSCHAU im Port25 - Raum für Gegenwartskunst steht.

Zur Ausstellung ist ein Katalog erschienen, der von Deutsche & Japaner gestaltet wird: Link zum Shop.

Weitere Informationen zu den Nominierungen, dem Auswahlverfahren und dem geplanten Programm des Designfestes finden Sie unter: UNCOVER

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Der Künstler Matthew Day Jackson wurde 1974 in Panorama City, Kalifornien/USA geboren und lebt heute in Brooklyn, New York. Er arbeitet mit dem künstlerischen Mittel der Bricolage sowie mit unterschiedlichsten Medien. Der Künstler-Archäologe verstrickt mit meist ironischen Bezügen Fiktionales mit Historischem. Seine Arbeiten hinterfragen fest etablierte Perspektiven auf die Welt und negieren ein lineares Geschichtsmodell. Dabei steht immer auch die Mythologisierung des eigenen Künstler-Selbst im Zentrum des Schaffens, das Körperlichkeit und destruktive Resultate menschlicher Erfindungskraft in Relationen setzt.

Die von Matthew Day Jackson im Jahr 2010 produzierte Reihe In Search of... basiert auf der gleichnamigen Serie aus den 1970er Jahren, in der sich der Moderator Leonard Nimoy auf die Suche nach historischen Ungereimtheiten und paranormalen Phänomenen machte. In der Folge In Search of... Eidolon bringt das mysteriöse Verschwinden des Künstlers Matthew Day Jackson unvorstellbare Zeichen und Fragen über die Menschheit ans Licht, die möglicherweise mit dem erstaunlichen Eidolon Fund verbunden sind - einer Sammlung von Artefakten, die im Hausbau Verwendung finden und deren genaues Alter und ursprünglicher Zweck Rätsel aufgeben. Anstatt paranormale Phänomene zu klären, wird eine Re-Mystifizierung der Welt in Form einer Parodie auf die ursprüngliche historische Fernsehserie initiiert.

Weitere Informationen zum Theaterfestival: Schwindelfrei

Vgl. Martin Hartung, In Search of… Eidolon, in: Ders./Andreas Beitin (Hg.), Matthew Day Jackson. Total Accomplishment, Ausst.-Kat. ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe/Berlin: Distanz Verlag, 2014, S. 212.

Die Ausstellung im Port25 – Raum für Gegenwartskunst zeigt ausgewählte Positionen aus der Region, die sich mit dem anwesenden und abwesenden Körper im Raum sowie seiner Darstellbarkeit als Bezugssystem zur räumlichen Dingwelt auseinandersetzen. Im Mittelpunkt steht das Werk des bisher kaum ausgestellten Mannheimer Künstlers Hubi M. In seinen großformatigen Gemälden arrangiert er Figuren im Raum, einige in expressiver Bewegung, andere in fast katatonischer Spannung. Ihr Verhältnis zueinander ist mehr als Bezug zum illusionistischen Bildraum angelegt, denn als dezidiertes Narrativ. Andrea Esswein nutzt für ihre Serie Brautkleider aus Secondhand Läden, die sie stückweise fotokopiert und in Lebensgröße neu zusammensetzt. Der Körper, der dieses Kleidungsstück getragen hat, die Person, die mit diesem Kleidungsstück den „schönsten Tag ihres Lebens“ verbracht hat, bleibt im Verborgenen. Auch in der bildhauerischen Praxis von Hanna Woll bildet der menschliche Körper die zentrale Referenz. Woll verwendet sehr heterogene Materialien, wie Lehm, verschiedene organische Stoffe, Glas, Zuchtkristalle, Textilien aber auch Kunststoffe, die auf teils ungewöhnliche Weise miteinander kombiniert werden. Der rudimentäre Charakter ihrer Arbeiten ist Ausdruck ihrer Fragen nach der Wandelbarkeit des Körperlichen und der Zerbrechlichkeit menschlicher Existenz. Wolfgang Sautermeister beschäftigt sich in seinen Performances mit der Präsenz des menschlichen Körpers im realen Raum und in seinen sozial konditionierten Verhaltensweisen. Die Live-Performance am Eröffnungsabend beleuchtet damit einen Teilaspekt des Konzeptes der Gruppenausstellung, die verschiedene Ansätze zur Erforschung der menschlichen Existenz und ihren individuellen Facetten aufzeigt.

Von Graffiti über Lichtinstallationen bis hin zu

Holzskulpturen: „Deltabeben. Regionale 2016“ zeigt einmal mehr, wie urban und vielfältig die Metropolregion Rhein-Neckar mit ihren Künstlern und deren Kunst ist.

Alle zwei Jahre werden im Wechsel mit dem Wilhelm-Hack-Museum und dem Kunstverein in Ludwigshafen künstlerische Positionen aus allen Gattungen der bildenden Kunst vorgestellt. Das gemeinsame Ausstellungsprojekt, das 2016 bereits zum vierten Mal stattfindet, versteht sich als Spiegel der künstlerischen Vielfalt der Metropolregion Rhein-Neckar.

Die teilnehmenden Künstler kommen aus allen Teilen der Region zwischen Mannheim, Mainz, Heidelberg und Karlsruhe. Ihr Spektrum reicht von Fotografie, Arbeiten auf Papier, Graffiti, skulpturalen und installativen Arbeiten bis hin zur Video- und Performancekunst. Der Graffitikünstler Hombre SUK, der seine Farbe schon in Shanghai, New York und Sofia versprühte, wird beispielsweise eine Wand des Mannheimer Kunstvereins besprayen, während die gebürtige Ludwigshafenerin Sabine Dehnel aktuelle Arbeiten zeigt, in denen sie die Medien Fotografie, Malerei und Installation vereint. Der Mannheimer Medienkünstler Benjamin Jantzen (auch unter dem Pseudonym Pixelschubser aktiv) lässt für Port 25 – Raum für Gegenwartskunst eine Licht- und Videoinstallation entstehen.

In der Kunsthalle Mannheim werden Skulpturen von Michael Dekker gezeigt, die wie zersprengte Holzlatten wirken, die

Dekker zu kristallinen bis insektenhaften Formen zusammensetzt. Andrea Esswein, bekannt für ihre „Kopigraphien“, befragt in ihrem Video „Zwischen Existenz und Exzellenz“ zehn Künstlerinnen und Künstler zu den Themen Anerkennung, Glück, Enttäuschung und Selbstwert, während Christiane Schlosser in ihren Arbeiten auf Papier die Grenzen der Wahrnehmung auslotet. Die weiteren Ausstellungsteilnehmerinnen und -teilnehmer sind: Kirsten Achtermann, Matthis Bacht, BASCO & TJ, Adam Cmiel, Geckeis & Walz, Janet Grau, Reiko Ishihara, Cholud Kassem, KIKE, Andrea Ostermeyer, Sven Paustian, Rosemarie Phiel, Jaime Ramirez, Schmott, Vicky Stratidou, Superart.tv, Maria Tackmann, Claudia Urlaß, Imran Utku und Julia Wenz.

Zur Ausstellung ist ein Katalog erschienen: Link zum Shop.

Den Auftakt zu einer Ausstellungsreihe, in der jeweils zwei KünstlerInnen den Ausstellungraum kollaborativ bespielen, macht "drawing boring boing", mit den künstlerischen Positionen von Jeannette Fabis (*1967 in Heidelberg, lebt in Frankfurt a.M.) und Barbara Hindahl (*1960 in Rheinhausen, lebt in Mannheim). Die beiden Künstlerinnen kennen sich seit Jahren und sind auch jenseits der Ausstellung im Dialog über Gemeinsamkeiten und Differenzen in ihrer Arbeit. 

Fabis und Hindahl beschäftigen sich schon seit langem mit dem Medium der Zeichnung. In ihren künstlerischen Prozessen kalkulieren sowohl Fabis als auch Hindahl mit dem Zufall. Unter erheblichem Zeitaufwand und virtuosem Einsatz der zeichnerischen Mittel entstehen Werke, die auch das Unvollkommene einschließen.

Fabis verwendet Lineal und harte Bleistifte, Materialien die üblicherweise für technische Zeichnungen verwendet werden. Hindahl widmet sich in altmeisterlicher Tradition der naturgetreuen Wiedergabe von Flecken und dreidimensionalem Schmutz. So entstehen Originale, die eigentlich Reproduktionen des zufällig Entstandenen sind.

Zur Ausstellung erscheint ein Künstlerbuch: Link zum Shop.

Wissen und Macht bilden in der Theorie des französischen Philosophen Michel Foucault zwei eng miteinander verflochtene Konzepte. Je extensiver und detaillierter unser Wissen, desto größer werden die Möglichkeiten der Kontrolle und damit der Macht. Das 19. Jahrhundert entwickelte zahlreiche Programme, um Objekte und Personen zu identifizieren, zu klassifizieren, auszumessen und zu berechnen. Praktiken der Überwachung, Beichte und Dokumentation konstituieren das Individuum als beschreibbares und analysierbares Objekt. Diese Entwicklung hat sich mit neuen Techniken der Beobachtung, der Archivierung, der Sammlung, der Analyse und der Vernetzung von Daten beschleunigt und verschärft. Dem steht unser eigenes, individuelles Wissen gegenüber, das für uns eine sinnvolle Ordnung in unserem Leben im Großkontext Welt schafft. Mit Aufmerksamkeit versuchen wir, die Vermischung der beiden Erkenntnisinteressen zu vermeiden. Doch wie, wenn die Wissensproduktion, Wissensvermittlung heutzutage hauptsächlich übers Internet läuft, das algorithmisch angelegt und ausgewertet wird? 

Künstler: Ilit Azoulay [IL], Daniel Blaufuks [PT], Hans Danuser [CH], Simone Demandt [DE], Yann Mingard [CH], Dayanita Singh [IN], Jules Spinatsch [CH] 

Das Fotofestival findet in drei Städten und zwei Bundes-ländern statt. Beteiligt sind sieben Museen und Kunstvereine der Städte Mannheim, Ludwigshafen und Heidelberg. In Mannheim nehmen die Kunsthalle Mannheim, Port25 - Raum für Gegenwartskunst und ZEPHYR – Raum für Fotografie teil. In Ludwigshafen werden im Kunstverein Ludwigshafen und im Wilhelm-Hack-Museum Ausstellungen zu sehen sein. Die Ausstellungsorte in Heidelberg sind der Heidelberger Kunstverein und die Sammlung Prinzhorn.

Abbildung links: Urs Stahel, Kurator des

6. Fotofestivals 2015, Copyright: Dan Cermak, Zürich

Katalog zur Ausstellung: Link zum Shop.

Über den Lebensraum von Menschen und auch von Tieren denken sowohl Designer, als auch Bildende Künstler in ihrer kreativen Praxis nach. Während es kaum zeitgenössische Kunst gibt, die sich nicht mit dem Begriff der Kunst selbst auseinandersetzt, steht bei Produktdesignern Effizienz und Nützlichkeit eines Produktes im Vordergrund der Beschäftigung mit dem Alltäglichen. Aus beiden Prozessen können Dinge entstehen, die in der Wahrnehmung gleich oder sehr ähnlich erscheinen, von denen eines aber ein Kunstwerk ist und das andere nicht. Nicht immer lässt sich die Schnittstelle zwischen Gebrauchsgegenstand und Skulptur, zwischen Kunst und Leben trennscharf markieren.

Schönheit des Alltäglichen beschäftigt sich mit künstlerischen Positionen an der Schnittstelle zwischen Kunst und Design und ist als programmatischer Auftakt zu der Inbetriebnahme von Ausstellungsraum und benachbartem Kreativwirtschaftszentrum zu verstehen. Im Zentrum der Ausstellung steht ein Kunst-Öko-Design-Urbanitäts-Projekt, die Alfred Packer Company, die in den Konversionsgebieten in Mannheim entstanden ist und hier zugleich Kunst-, Wirtschafts- und Lebensraum entwickelt.

Gruppenausstellung mit Alfred Packer Company, Max Kosoric, Florian Slotawa, Ulrich Strothjohann.